By

Papeles ajenos. muestra de Rodrigo Fierro

rf19 - copia

PAPELES AJENOS
Un proyecto realizado por Rodrigo Fierro en colaboración con Marcela López Sastre (curaduría), Marcela López
(investigación sobre biliotecas), Diego Villarruel (edición digital y copiado), Cecilia Sánchez (copiado),
Constanza Márquez (producción de viajes), Javier Ingignoli (montaje), Celina Truco (montaje), Gastón Sironi
(corrección de textos) y muchos amigos más.
MUSEO EVITA-PALACIO FERREYRA, Marzo 2018
con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes

PAPELES AJENOS
Rodrigo Fierro
Curaduría: Marcela L. Sastre
El ensayista ha de meditar sobre sí mismo, ha de encontrarse y “construir algo propio con lo propio”.
Georg Lukács.
Las bibliotecas van construyendo un paratexto que nos permite saber la búsqueda de Rodrigo a través de la palabra
que nos constituye como texto público y privado. La historia colectiva se construye a partir de la historia individual
que va generando vínculos, cruces, encuentros y desencuentros. Se trama una red simbólica y afectiva a través del
pensamiento escrito y por allí busca Rodrigo desde el registro fotográfico. Su herramienta visual es un hábito
adquirido, ha investigado la fotografía desde el paisaje, desde el retrato y desde su posibilidad como lenguaje que aquí
va más allá y ahonda en su relación con la palabra.
Lo público como anhelo, la pregunta como método, el ensayo como incertidumbre.
Los diversos espacios que recorre van desde las leyes que construyen el Estado como lugar institucionalizado que
normaliza el ámbito de lo público hasta la experiencia individual que edita su propio campo de interés, la identidad
particular del pensamiento, la ideología reflejada en la selección de libros que representan a quien los atesora.
En esta lectura minuciosa de la historia individual y colectiva hay un interés por el ser humano que excede la
militancia y los derechos, hay un interés por develar la sutileza y la profundidad de aquellas estructuras conceptuales
y simbólicas que condicionan y determinan el accionar de los sujetos insertos en una sociedad, asumiendo esta
interdependencia como una negociación permanente. De alguna manera Rodrigo circula entre las ciencias sociales y
el campo del arte, se permite desde su calidad de artista investigar con la flexibilidad que esta condición le otorga.
Investigar desde el canon científico presupone una suerte de preconceptos que el arte disuelve. Este corrimiento puede
no ser bien aceptado por las ciencias que sostienen protocolos de objetividad; lo cierto es que esta distancia con el
sujeto puede servir para sacar conclusiones y estadísticas pero no para comprenderlo. La objetividad y la intuición
están mucho más cerca de lo que parece, ninguna investigación prescinde de la intuición como guía que nos permite
llevar adelante una teoría o justificar una conclusión, ninguna investigación prescinde de la pasión de quien la lleva
adelante, del interés obsesivo de quien recorre los caminos ajenos para comprender mas allá de sí.
La muestra es un ensayo que recorre los diez últimos años de producción de Rodrigo, su investigación sobre el ensayo
per se es la guía para pensar asimismo la curaduría como un ensayo en el espacio que expande la posibilidad de
observar y ser observados.
“Ensayo desde los repliegues del lenguaje y sus acepciones: ensayo como prueba, como campo de ejercicio del
error, de lo indefinido.
Ensayar: asumir el proyecto de producción como un ensayo o prueba, abierta y cambiante.
Ensayo fotográfico documental de autor. Ensayo escrito reflexivo argumentativo. Ensayo
como ejercicio de prueba y error.” RF
La muestra comienza con un índice y un espacio-taller donde se invita a los visitantes a releer los textos, modificarlos
e intercambiarlos por otros. La idea de archivo o biblioteca nos permite pensar en la edición, la curaduría y la
selección como formas que escapan al acto creativo en sí mismo, abriendo el campo de acción al visitante para que se
sienta libre de cuestionar, participar y opinar sobre cada uno de los casos que ha investigado Fierro: el caso Olmos, en
sus dos causas contra el Estado de facto que adquiere una deuda pública durante la dictadura militar, La Biblioteca
roja desenterrada por un equipo forense del patio de Tomás Alzogaray, las imágenes rescatadas recientemente de
Pilcher que nos permiten descubrir una Córdoba incipiente en su urbanidad,
la relectura de Kant en referencia a la propiedad privada como concepto forjado y analizado con un especialista en
derecho, el documental sobre los tres fotógrafos del interior de la provincia de Córdoba en su oficio de memoria,
archivo y documento. Las bibliotecas públicas que dan origen y forma a nuestras leyes, las bibliotecas privadas que
permiten modificar el curso del deseo y de la historia, al menos personal. Las reflexiones sobre el bien común y la
propiedad privada, el paisaje como doble cara de una misma interpretación.
Iniciamos el recorrido con dos obras que ya fueron exhibidas anteriormente pero sirven como preámbulo: Cuidado
con la fotografía y Tiempo develado nos permiten ver cómo en la obra las palabras, las imágenes y los conceptos
tienen la misma categoría de huella y documento.
El pensamiento y la reflexión sobre “lo público” que inicia Rodrigo con una serie de pizarras donde va asimilando
esta frontera porosa, donde caligráficamente va probando la flexibilidad y la resistencia, observando cómo la acción
individual replica sobre lo colectivo y viceversa. La historia y la naturaleza: territorio o propiedad privada.
Las herramientas para esta aproximación son las que Rodrigo maneja desde hace tiempo: la fotografía y la palabra
articuladas al servicio del ensayo como herramienta de investigación.
Lo que une en todo caso a la filosofía y al arte es su insistencia sobre el objeto, lo que la distancia es su relación
con el concepto, de necesidad en un caso, de prescindencia en otro (Micaela Cuestas).
Rodrigo Fierro establece un acercamiento horizontal y desde allí traza el mapa por donde abordar sus aproximaciones
a la naturaleza y al terreno, a la memoria y al documento, al archivo y a la edición como relato.
Esta metodología pendular se detiene en algunos personajes que han sabido transitar este límite afrontando las
circunstancias con una heroicidad como la de Olmos, un ciudadano que dedica su vida a llevar adelante una causa
contra el Estado de facto, litigando por el derecho de todos a no pagar una deuda no adquirida en democracia. La
Biblioteca roja nos adentra en una experiencia íntima de recuperación de la memoria, la belleza de estos restos
atestigua la prepotencia de la palabra sobre el olvido del tiempo. Una biblioteca enterrada en el patio de una casa
familiar antes del exilio abre camino a un relato que transita estos espacios velados de conocimiento, esos paréntesis
que todos tenemos de ese tiempo. Las publicaciones con Documenta Escénicas de la Biblioteca roja y de la
presentación de un libro donde abordamos el texto como obra, donde Rodrigo se adentra él mismo en la palabra, nos
dejan un relato sin interferencia del registro. Esta editorial que trabaja el libro como obra en sí misma devela cómo los
vínculos van desdibujando sutilmente la desaparición del objeto como algo cerrado, éste alberga la condensación de
las preguntas y abre mundos a quien quiera explorarlos.
Esta metodología pendular es un ejercicio que propone al interlocutor que saque sus propias conclusiones y pueda
ser partícipe de esta construcción como practica de reflexión.
Empezamos en un taller abierto a la lectura, el diálogo y la construcción de pensamiento horizontal. Espacio donde
se busca profundizar sobre ciertos puntos del recorrido. El índice nos ubica un poco respecto de los diversos temas
que Fierro investiga: los archivos, las fotografías, las palabras dan pista para que hagamos una construcción de esto
que vamos descubriendo a través de un sigiloso archivo realizado para comprender y preguntar, dejando abierta la
interpretación necesaria para esbozar una definición del bien común como espacio de construcción horizontal de
memoria.
Los archivos y las bibliotecas particulares permiten construir esta cartografía de transito pendular por el territorio, este
tiempo ralentizado es necesario para meditar sobre los sujetos y su posición frente al medio donde viven. Adentrarnos
en su tiempo, atravesar la experiencia del otro como propia.
Rodrigo documenta y registra fotográficamente estableciendo un vínculo con el otro, donde el límite se desdibuja y se
funde en la experiencia común.
Marcela López Sastre – Curadora

rf5 rf1

MEMORIA CONCEPTUAL
“Estado de reflexión” fue elaborado durante el proceso social de discusión-reflexión previo al balotaje
electoral que tuvo lugar el día 22 de noviembre de 2015. La escritura y la fotografía se realizaron el 16
de noviembre de ese año, en un aula de la universidad pública, de la carrera de Filosofía de la
Universidad Nacional de Córdoba, seis días antes del mencionado balotaje.
Esta pieza conforma una continuidad de reflexión, iniciada en el trabajo “Cultivar la cosa pública”
(2008), y que se complementa en “Hostis-Perduelis” (2015).
Guiado por las preguntas ¿qué es la cosa pública y cómo se construye?, ¿cuál es el aporte que podemos
hacer como individuos a la construcción de lo común desde el lugar que cada uno ocupa?, ¿cómo
enriquecer de manera crítica y activa la construcción de lo público?, abordo esta reflexión fotográfica y
textual sobre el bien común, el Estado y el lugar individual.
Boletín Oficial del Estado Argentino, 1810-1864. Biblioteca del Congreso de la Nación,
HAY KANT

rf15 - copia

rf14 - copia

CUIDADO CON LA FOTOGRAFÍA

rf2
Trabajo:
Este proyecto aborda una reflexión sobre el desarrollo histórico del medio fotográfico desde los procesos de
emulsionado antiguos hasta el actual soporte digital, y los cambios de “conciencia” del medio aparejados.
En la primera pieza, “cuidado con la fotografía” se encuentra escrito a pincel, utilizando emulsión líquida, en la
técnica de papel salado a base de nitrato de plata revelado en agua.
La segunda pieza es una reproducción fotográfica de la primera, realizada con soporte analógico (película, en
formato 35 mm), en una copia fotográfica analógica en un formato de 50×60 cm.
La tercera pieza es una fotografía digital, que reproduce el mismo texto inicial en 1,50 x1 m. Hechas la toma y la
copia con procedimientos digitales, contiene una intervención: en lo que sería el fondo del texto se encuentran
textos agregados digitalmente, que aluden a la problemática de la fotografía contemporánea, y en especial, al
cambio de conciencia que se suscita a partir del registro digital. Estos textos visualmente son suaves.
Texto de sello de agua, en la tercera pieza:
CUIDADO CON LA FOTOGRAFÍA
Sobre el carácter in-soportable y el valor-arte en las prácticas fotográficas digitales. ¿Qué subversión de
conciencia promueve el dígito evanescente? La extensión del archivo y su disposición espacial se han vuelto
móviles y volátiles, dando lugar al carácter in-soportable de la imagen digital. ¿Qué desplazamientos de
conciencia genera la cultura del deleeeteo? // (Sobre el deleeeteo). El deleeete genera un tránsito vertiginoso de
“ánimas” hacia un incierto lugar. ¿Qué implicancias tiene el registro desmedido, sostenido, la incesante
generación de imágenes? Esto no es gratuito. El deleeeteo genera una nueva práctica sobre el “instante”,
genera un desplazamiento desde el instante decisivo al “instante incisivo”: Esta nueva imagen, ¿permanece, o
merece ser borrada? Nace el deleeete como instante donde se deja o no huella del proceso de registro. Un
instante “incisivo” en cuanto a la configuración del proceso mismo, como proceso de configuración de
conciencia. // (Movimientos de conciencia) Sobre el valor-arte: Los dígitos mutantes de 0 y 1, alertan sobre dos
movimientos de conciencia posibles: a) Hacia la cautela: cautos como el cero, “ovoides”. Un movimiento hacia
el carácter cauto: reposo, “guardarse, tener cuidado, volverse invisible sin dejar de hacer” (ver D. Tatián). Completos,
universales como el huevo. b) Hacia la certeza: certeros como el uno, “fléchicos”. El carácter “fléchico” de la
imagen digital. Tensión: certeros, acertados, diestros, seguros, puntería al lanzar. Noticiosos, bien informados.
Zarpados, intrépidos como la flecha. // Supongamos que la teoría estética es una novela colectiva, donde
diferentes autores escriben diferentes capítulos: ¡sometida a la múltiple y constante interactividad sería la mas
fantástica de las literaturas! En este marco, ¿la teoría estética aplicada a los nuevos medios es un cuento?
Entonces, la teoría sobre fotografía digital sería una fábula… ¿Y una moraleja posible? “Cuidado con la
fotografía”.
Estas palabras se desprenden del ensayo “Del carácter in-soportable al valor-arte en las prácticas fotográficas digitales”,
ponencia presentada durante las II Jornadas de Investigación en Artes, Centro de Producción e Investigación en Artes
CePIA, Universidad Nacional de Córdoba, 2010.

METODOLOGÍA PENDULAR:
Salirse / insistir
Salirse parece tener cualidades compartidas dentro del “campo del arte”, pero no se opone al insistir.
Salidas e insistencias se hacen presentes en este campo. Ambas parecen ricas y potentes. Más bien
podría pensarse en cierto movimiento pendular, cierto pulso. ¿Se puede insistir sin pausa sobre lo
inesperado e intempestivo? Suena como a un atajo que se convierte en desvío.
Quizá podemos alternar entre el insistir hacia dentro, y el salir hacia afuera, o salirse dentro e insistir
fuera. Quizá el “debatirse entre” puede tener un movimiento pendular y alternado: alternar entre insistir
y salirse, generar cierto movimiento ente una y otra instancia, reconocer el tiempo de cada una,
cultivarlas en relación. (1)
(1) Fragmento de una entrevista realizada por Lucas Di Pascuale, para el proyecto de muestra y catálogo “Salirse / Insistir”,
Museo Genaro Pérez, Córdoba, 2010.

rf8 - copia

EL ANTECEDENTE

CON TEXTO & PARA TEXTO
Contexto para la exhibición de un paratexto.
El proyecto:
Fantasear un archivo de archivos, un catálogo de acumulaciones. El archivo propio y sus derivas, sus
contaminaciones, sus implicancias.
I- Si te tuviera que contar cómo llego de una cosa a la otra, sería como que siendo adolescente, mi abuela me
invita una mañana a subirme a un banco. Desde lo alto, accedo a la parte de arriba de un ropero, donde se
guardan habitualmente las cajas. En ellas, una cámara fotográfica y varios accesorios que fueran de su marido.
Algunos chasis de película en sus estuches metálicos, varias carpetas de negativos y una ampliadora pequeña. Un
legado-admonición.
II- Unos años después, sin vinculación directa con el primer legado, sino más bien buscando alternativa a un
estudio de universitario que no prospera, aparece “la cámara”. Fotografiar era en ese momento una práctica
familiar asidua, parte de los oficios de mis padres y sus viajes. Diapositivas, en cantidades y variedades.
III- Pasan otros años, de estudio formal esta vez, y para continuar la formación creamos un taller, donde
oficiando de coordinadores proponemos en las prácticas temas de trabajo e investigación sobre los que estamos
ávidos de aprender. Desnudamos proyectos, fotografiamos y discutimos, y utilizando la diapositiva como
herramienta pedagógica, incursionamos en autores clásicos, noveles y consagrados. Más cajas de diapositivas.
IV- En una muestra grupal exhibo un primer díptico. Allí aludo mediante un texto a una nota del diario que da
cuenta del fallecimiento de un fotógrafo del interior provincial, con quien compartimos el mismo apellido. Él
deja como legado un archivo de 6.000 diapositivas con las que ejercía la docencia junto a su mujer, proyectando
historias sobre el norte de Córdoba.
V- Mi tarea docente ha mutado, de los talleres independientes a las escuelas privadas primero, para recalar en
espacios públicos. En una convocatoria de proyectos, desarrollo una idea-muestra sobre fotografía y educación,
repasando el vínculo con aquellos ámbitos y colegas variados. “Aula expuesta” inicia una reflexión sobre cuál es
el lugar y el rol de cada uno en relación a lo común, a lo compartido. En mi caso desde el aula.
VI- Esta inquietud queda abierta más allá de la muestra-investigación, y ahondando en ella arribo a un pizarrón
como territorio de batalla en el aula, entre lo dicho y lo no dicho, entre la palabra escrita y la oral, entre quien
habla y quien escucha. Y la pregunta sobre lo común cobra forma de texto: lo público, el Estado, la república, lo
común. Fotografío las palabras en blanco, y es un dar vuelta la página.
VII- Este proyecto
¿Cuál es el papel de las copias de trabajo en el archivo propio?
¿Cuál es el papel del archivo fotográfico en el trabajo de uno?
¿Cuál es el papel de los archivos ajenos en la historia común?
¿Cuál es el papel de un ciudadano en relación al bien común?
¿Cuál es el papel de uno en relación al Estado?
¿Cuál es el papel del Estado en relación al bien común?
¿Cuál es el papel de la cultura y la educación en relación a lo público?
¿Cuál es el papel de lo público y lo privado en los archivos culturales?
¿Cuál es el papel de la escritura en el proceso fotográfico?
¿Cuál es el papel de los papeles?
Para texto:
El término paratexto designa al conjunto de los enunciados que acompañan al texto principal de una obra, como título,
subtítulos, prefacio, índice de materias, etc. El paratexto hace presente el texto, asegura su presencia en el mundo, su
recepción y vida.
Texto de sala de la muestra “Contexto para la exhibición de un proyecto”, curaduría de Pablo Género, Museo Palacio
Dionisi, 2017.
PROGRAMACION ESTIMADA DE ACTIVIDADES EN SALA 2
1- Charla con María Paulinelli y Rodrigo Fierro sobre Papeles ajenos. Visita guiada a la muestra.
2- Presentación del libro de Rodrigo Fierro + presentación del libro La biblioteca roja, por Gabriela Halac.
4- Proyección del documental “Vestigios” sobre fotógrafos del norte de Córdoba, con apoyo del INCAA.
5- Práctica curatorial, modalidad de taller dictado por Marcela L. Sastre. Cierre de la muestra.
¿Cuál es el papel de los papeles?

 

WP_20180220_13_29_11_Pro  WP_20180220_13_29_39_Pro WP_20180220_13_29_43_Pro

WP_20180220_13_29_58_Pro WP_20180220_13_30_31_Pro WP_20180220_13_31_21_Pro

BIBLIOTECAS
Rodrigo viaja, por montaña, por agua, atraviesa ríos, los navega, incurre con su cámara en el interior de la tierra.
Todo lo hace con una sola intención: descubrir caminos y construir puentes que unen pensamientos, ideas en
papel impreso reunidas en esas indispensables instituciones, las bibliotecas. Se arriesga, busca en lo profundo, en
la historia reciente del pasado más oscuro de la cultura, visita una biblioteca exiliada y va más allá aun, corre y
corre y finalmente detiene su mirada donde es testigo de un singular y nunca antes visto proyecto: el desentierro
de libros censurados, escondidos durante la última dictadura militar.
En ese recorrido por las huellas de la cultura escrita acude con su sensible mirada a distintas bibliotecas…
Biblioteca Residencia Demolición-Construcción
La biblioteca de montaña donde se vincula palabra e imagen, especializada en artes visuales.
Historia del arte y arte contemporáneo en catálogos, fotografía y arquitectura, más una extensa aproximación al
ensayo desde la filosofía, las artes visuales y la antropología, conforman este tesoro serrano. En ella se
originaron algunas ideas de la presente muestra. Mirando las montaña.
Biblioteca Popular Santa Genoveva
La biblioteca del agua, única biblioteca popular con bibliolancha del país. Con la idea de acercar literatura a los
isleños, hace su recorrido por Tigre prestando y recogiendo libros, a la vez ofrece distintas actividades culturales.
Navega haciendo honor a su temática, lleva libros de autores vinculados con lo fluvial o que trabajan temas
relacionados con el río. Se llega navegando.
Biblioteca José María Aricó
Perteneció al intelectual marxista José María Aricó, biblioteca de ciencias políticas, especializada en marxismo y
socialismo, contiene obras en varias lenguas sobre los principales exponentes del pensamiento socialista. Como
en pocas ocasiones ocurre, en esta unidad de información, el lector interesado puede encontrar diferentes
ediciones de El capital, algunas de ellas incluso en otros idiomas. La biblioteca debió exiliarse en México
durante la última dictadura militar. Hoy pertenece a la Universidad Nacional de Córdoba.
Biblioteca Popular Octavio Pinto
Biblioteca cuya colección original perteneció al pintor al que debe su nombre, ubicada en la apacible Villa del
Totoral; como sucede en muchos pequeños poblados, las bibliotecas populares se transforman en el alma cultural
del pueblo. En el edificio contiguo, se exhibe la colección de cerca de ochenta pinturas del artista.
Colección Reservada de la Biblioteca del Congreso de la Nación
Colección Reservada: libros que por su valor histórico necesitan de un cuidado y un tratamiento especial para su
preservación y consulta.
Biblioteca Juan María Gutiérrez (1809-1878)
Semillero de ideas, fue indispensable a la hora de difundir las ideas de la revolución. Gutiérrez se
llamaba a sí mismo “hombre de Mayo”. Fue un estadista, jurisconsulto, agrimensor, historiador, crítico
y poeta argentino. Miembro de la Convención Constituyente de 1853, y rector de la Universidad
de Buenos Aires, entre otros cargos.
Biblioteca Peronista
Conformada con los discursos y publicaciones oficiales publicados entre 1945 y 1955, contiene
documentación específica sobre el movimiento peronista, a la vez que incluye la Biblioteca Prohibida
constituida durante la proscripción del peronismo. Se retiraba de circulación las publicaciones
vinculadas al peronismo, como así también las de corte popular; de ellas se preservó un ejemplar de cada
obra, hoy su totalidad constituye la Biblioteca Prohibida Peronista.
Biblioteca Palant
Única en el país, reúne obras taquigráficas, sobre taquigrafía y sistemas estenográficos de todas las
épocas y en diferentes idiomas.
Biblioteca Popular Pablo del Cerro
Allí donde Atahualpa Yupanqui encontró su “lugar en el mundo”, allí a la orilla del arroyo se encuentra la
biblioteca popular conformada a posteriori por la colección personal que perteneció al gran músico. Presentando
así, al visitante y al lugareño, todo un mundo por explorar, que pone al descubierto los intereses lectores de aquél
a través de las páginas de los que fueron sus libros. A pocos metros de allí, en una meseta contigua al arroyo, se
encuentra El Silencio. Este jardín agreste es referido por Don Ata como su espacio natural de lectura, estudio e
introspección.
Marcela López, bibliotecaria.
Fragmento de la biblioteca personal de Marcela López, bibliotecaria de la Escuela de Artes Aplicadas Lino E. Spilimbergo.

rf4rf3

rf6 rf7 - copia

rf17 - copia
DEUDA EXTERNA
HOSTIS – PERDUELLIS
La causa judicial “Olmos s/Denuncia” (conocida como Causa Olmos I) se desarrolló durante los
años 1983-2001, y se refiere al endeudamiento del período 1976-1983. La misma documenta y prueba
las más aberrantes violaciones a la Constitución y a la ley en lo referido al proceso de conformación
de la deuda externa del Estado argentino. En ésta se prueba y se trae a la luz, entre otras, las
siguientes cuestiones:
– El 20 de abril de 1976 el gobierno del Proceso dicta su primera ley: Ley 21.305 que permite establecer la
jurisdicción de los tribunales extranjeros de los países acreedores, en todo litigio sobre la deuda.
– Ante el requerimiento solicitado por el Tribunal, el Banco Central en el año 1992 reconoció carecer de los
registros contables de deuda del período 1976-1983.
– Los organismos internacionales ponen en marcha un mecanismo de endeudamiento forzoso del país, para
resolver los problemas de exceso de liquidez de la banca internacional, según propia declaración del ex
ministro de Economía Martínez de Hoz.
– En la causa se puede verificar la existencia de autopréstamos, como mecanismo de obtención de divisas
extranjeras que no ingresan al país y se suman a la deuda pública. Se comprueba la existencia de una
“libreta negra” para registrar la colocación en el exterior de las reservas internacionales, por parte del Banco
Central.
– Las empresas públicas (YPF, Ferrocarriles Argentinos, ENTel, Fábrica Militar y otras) eran obligadas a
endeudarse, para obtener divisas que quedaban en el Banco Central y luego se volcaban al mercado de
cambios.
– Martínez de Hoz declara ante el juez que hay una diferencia no registrada de 4.000 millones de dólares,
pagados y que figuran como impagos.
– Sólo se disponía en inglés de ciertos textos de algunos acuerdos celebrados con el FMI y el Banco Central.
Ante el requerimiento del juez, el Ministerio de Economía y el Banco Central recurren a Washington para
que remitan los textos traducidos.
– En 1985 se estatizó formalmente la deuda externa contraída por empresas privadas, incluyendo la deuda
q ue sedes locales tenían con sus respectivas casas matrices en el exterior.
– Cuando la Argentina se suma al Plan Brady, se constituye un comité de siete bancos acreedores
extranjeros, liderados por el Citibank, que determinó cuánto debía el país, a quién, y cuándo se debía pagar.
– Se demuestra el actuar arbitrario e ilegítimo, por acción y omisión, de los máximos responsables de la
conducción política, administrativa y económica de la Nación, así como de directivos y niveles gerenciales
de determinadas empresas y organismos del Estado, en el período en cuestión. Se dicta el procesamiento al
Dr. José Martínez de Hoz, que fuera ministro de Economía de la dictadura. Ese procesamiento fue dejado
sin efecto en 1999 por prescripción de la acción penal.
– En reiteradas oportunidades el Congreso de la Nación se negó a tratar las denuncias y las exhaustivas
pruebas expuestas en la presente causa.
Argentina es el único país en el mundo donde la deuda externa fue llevada a la justicia, mediante la
causa “Olmos Alejandro s/Denuncia”, N° 9.147 (ex 14.467. Juzgado Federal en lo Criminal y
Correccional N° 2, Secretaría N° 4. La causa consta de 38 cuerpos, 500 anexos y documentación
adicional).
SINE DIE
Causa 17.718 “Olmos Alejandro s/denuncia por defraudación a la Administración Pública”. Desde 1983
hasta la actualidad (causa sobre la deuda externa, aún en trámite).
HASTA EL MOMENTO LA INVESTIGACIÓN HA PODIDO DETERMINAR:
– Infracciones a la ley penal cambiaria, que involucran a empresas y bancos privados, lo que consta en más
de 21.000 sumarios.
– Los créditos solicitados por el gobierno argentino al FMI, al Banco Mundial y a la banca privada del
exterior fueron solicitados con el fin de refinanciar la deuda. En la causa 14.467, fue demostrada la ilicitud
de esta deuda inicial (ver “Hostis Perduellis”). De esta manera, se genera nueva deuda a fin de pagar
intereses de la ya existente. Así, el financiamiento del déficit está en clara violación a la Ley 25.156, la que
determina la imposibilidad de destinar crédito público a pagar gastos operativos.
– Como acreedor del Estado argentino, el Banco J.P. Morgan, elaboró un plan financiero en el año 1992
(operatoria Brady), consistente en la conversión de deuda en bonos. Así buscó dar aspecto de legalidad a la
deuda anterior ilegítima.
– Este “Plan Brady” fue elaborado en base a la información contable propia de los acreedores, auditada por
una consultora privada, ya que el gobierno nacional carecía de registros de deuda pública dentro del
Ministerio de Economía.
– El First National City Bank lideró un consorcio de bancos extranjeros entre los años 1992 y 1995, el cual
estableció los montos de la deuda privada, los modos de pago, el cálculo de intereses, los gastos operativos
y las comisiones. Este comité funcionó con aprobación del FMI, del Banco Mundial y del Banco
Interamericano de Desarrollo.
– El Estado Nacional renunció a sus derechos de entidad soberana. Ni el Citibank (agente de cierre) ni el
J.P. Morgan (agente de pagaré) serían responsables por incumplimiento, negligencia, mala conducta o por
cualquier medida tomada u omitida, en las obligaciones contraídas por el Estado argentino.
– El Estado argentino trasladó la jurisdicción de los tribunales a Nueva York, Londres y Frankfurt, en caso
de cualquier controversia.
– Para la notificación al país en caso de controversia entre las partes, el Estado argentito fijó domicilio legal
en sedes de bancos en Londres y Nueva York. Para recibir estas notificaciones, si hubiera controversias, se
constituyeron domicilios legales alternativos en sede de instituciones financieras del exterior ajenas al
Estado. El acreedor podía elegir el domicilio alternativo para enviar sus notificaciones.
El Estado argentino aceptó de manera irrevocable ser notificado por correo, y en caso de no recibir
notificación por parte del agente de cierre (Citibank), que no se modificaría la validez de lo acordado.
– El Estado argentino cede su inmunidad soberana y en relación a sus bienes (con excepción de los de
dominio público y las reservas de libre disponibilidad), como consecuencia de que los actos que constituyen
materia de los contratos de canje pasan a considerarse de derecho privado (iure gestionis) y no actos
públicos y gubernamentales (iure imperii).
SUPPLICIUM PERMANSIT
UNA ODIOSA DEUDA ODIOSA
Deuda odiosa se considera a la que se toma y no se utiliza para beneficio del Estado y el pueblo que la
contraen. La deuda externa argentina contraída durante la dictadura militar, por ser una deuda generada
durante un régimen inconstitucional y mediante procedimientos ilegales e ilegítimos, es una deuda odiosa.
DELITO DE EJECUCIÓN CONTINUADA
Se considera un delito de ejecución continuada a aquél que permanece dentro de los siguientes parámetros:
a) conexión temporal y espacial; b) unidad de finalidad; c) similitud en la forma de ejecución; d) semejanza
de tipos realizados; e) identidad del titular del bien jurídico afectado.
“La renegociación permanente de un hecho delictuoso no hizo desaparecer en ningún caso el vicio de
origen o la ilicitud del acto, sino que lo continuó, ya que la operatoria desarrollada con posterioridad a la
dictadura, y hasta la actualidad, conservó la misma metodología.” (1)
(1) Olmos Gaona, Alejando, “La deuda odiosa”, Ediciones Continente, 2005 (todo el texto elaborado en
base al libro citado).
PIZARRONES
CULTIVAR LA COSA PÚBLICA
“Cultivar la cosa pública”. Fotografía, 2013.
TEXTO:
Público, ca (del lat. publicus) // Celebrar (del lat. celebrare) – Frecuentar
• La palabra público viene del latín publicus, y ésta de popiucus, lo perteneciente al populus. La
palabra público nos dio publicar (hacerlo visible para el pueblo) y república, formada de res
(cosa) y pública. La palabra populus nos dio pueblo, poblar, popular, etc.
• Deber público – Espacio público – Público conocimiento – Sentimiento público – Arte público
– Deuda pública – Educación pública – Relaciones públicas – Público cautivo – Cultura pública
– Cosa pública – Espectáculo público – Política pública – Gestión pública – Opinión pública –
Público y privado – Vía pública – Fe pública – Bien público.
• ¿Cómo hacerlo público? Lo público está privado… ¿de qué está privado lo público? Hacer lo
público. Celebrar la república: frecuentar la cosa pública.
• Lo cierto es que una república está fundamentada en el “imperio de la ley” y no en el “imperio
de los hombres”. Una república es un sistema institucional independiente de los vaivenes
políticos, y en la cual tanto los gobernantes como los gobernados se someten por igual a un
conjunto de principios fundamentales normalmente establecidos en una constitución

rf9 - copia

rf18 - copia

Biblioteca Roja
La biblioteca escondida en la tierra, dada por perdida por la familia Alzogaray Vanela, a la cual perteneció. Sin
embargo, treinta años después un colectivo interdisciplinario, junto con voluntarios del Equipo Argentino de
Antropología Forense (EAAF) decide embarcarse en un proyecto sin precedentes: excavar para ir en la búsqueda
de aquello que había durante años permanecido oculto bajo tierra, para dar cierre pero también continuidad a un
momento crucial de la historia reciente del libro en Argentina.

 

rf10 - copia rf11 - copia rf16 - copia

NTE PASADOS
¿Hasta dónde puede llevarnos la curiosidad?
En el año 2000 leí una nota en el diario donde se comentaba sobre el fallecimiento de Horacio Goñi
Fierro, un fotógrafo aficionando habitante de la pequeña localidad de Sarmiento, quien había realizado
un exhaustivo registro en el norte de la provincia de Córdoba. Dejaba un archivo de 6.000 diapositivas
sobre una zona que, aún sin saberlo, con el tiempo se convertiría en escenario de sucesivas caminatas y
ensayos fotográficos.
Esa historia quedó en mi memoria, pero transcurrieron doce años hasta que en un viaje con mi padre a
Cerro Colorado decidimos pasar por Sarmiento en busca de Eleonora Zahorski, su compañera de vida.
La sorpresa del primer encuentro sin anuncio previo se mantendría en los meses y años posteriores de
trabajo, y continúa hasta hoy. Eleonora generosamente nos donó el archivo de diapositivas de Horacio,
y al sumergirme en ellas comencé a trabajar a fuego lento la idea de conocer sobre su vida y su trabajo,
como sobre otros fotógrafos e historias de la zona. La investigación gozó de la compañía de Constanza
Márquez y de Pablo Checchi, con quienes en sucesivos viajes y jornadas de investigación fuimos
descubriendo estas historias que forman parte del documental Vestigios. Muchos fotógrafos abrieron
sus casas y archivos, aunque finalmente no son parte del proyecto, por disponibilidad de tiempo y
recursos: Jorge Schneider, Papa Domínguez, los Hermanos Pujía, sólo por citar algunos.
La curiosidad derivó en un proyecto de documental presentado al INCAA durante dos años sucesivos,
a la vez que avanzábamos en la investigación. Finalmente, la breve pieza se centra en Mario Gutiérrez
y su fotografía desde fines de los años ’60 en Cruz del Eje, el periódico La idea, un medio gráfico de
tipografía móvil que utilizaba fotoclichés (Cruz del Eje), y Horacio Goñi Fierro y sus diapositivas. El
trabajo sobre estos archivos, el tiempo expandido, y una confluencia de intereses me acercaron a
Cristina Boixadós para acompañar su proyecto actualmente en marcha sobre Jorge Pilcher y su
fotografía histórica entre 1870 y 1890 en Córdoba.
De esta forma la curiosidad inicial se expandió hasta esta materialidad de cortometraje documental y
exposición, donde se abre una reflexión sobre el valor histórico de la fotografía como documento
social y las prácticas aficionadas y profesionales en el interior de la provincia, que despliegan un
mundo de sorpresas en sus escenas familiares, sociales, políticas y, con el tiempo, antropológicas.
La tarea de desentrañar los secretos guardados en los archivos de Mario Gutiérrez, Horacio Goñi
Fierro, y en los tacos de fotoclichés del periódico La idea, guiados por la memoria de Don Castro,
ocuparon largas horas de trabajo, en las que participó denodadamente Andrea González. Sumergirse en
los archivos de colegas de oficio y conocer su intimidad visual ha sido una tarea apasionante y
esclarecedora respecto del valor que la fotografía va cobrando con el tiempo, y de la importancia de
conformar archivos y resguardarlos como una manera de consolidar nuestros sustratos culturales y
antropológicos.
Esta reflexión y la curiosidad expandida se han plasmado también en algunas fotografías que he
realizado sobre la materialidad de los archivos abordados.
Toda esta investigación y deriva está dedicada a Horacio Goñi Fierro y a Eleonora Zahorski, quienes
con su ejemplo, al recorrer las escuelas rurales de todo el norte de la provincia durante años con sus
diaposeriados didácticos, en una tarea independiente y autogestionada, generaron un referente
insoslayable para los aportes que pueden realizarse desde la pasión y el compromiso por la educación y
la cultura. Y así siembran una pregunta: ¿cómo podemos desde el lugar de cada uno aportar a una
construcción de lo público?
Fotografía de Mario Gutiérrez.

rf12 - copia rf13 - copia

 

By

Taller intensivo de práctica curatorial: TOMAR POSICIÓN (dictado por Marcela López Sastre)

Encuentros personales de un fin de semana cada dos o tres meses en nuestra residencia, en Cabana, Unquillo, Sierras Chicas y seguimiento on line entre encuentros, la idea es conformar un grupo interdisciplinar para compartir el proceso de trabajo sobre la toma de posición curatorial que va contruyendo cada participante, así como la construcción de una red curatorial. Participan actores de distintos lugares del país (Salta, Río Negro, Chubut, La Pampa, Córdoba). Programa abierto al ingreso de nuevos participantes en cada encuentro.

2017-05-13 11.56.41.jpg

Para curar tus miradas sobre obras de otros

Para curar tu propio proceso

destinado a:

artistas, historiadores, curadores, investigadores, escritores y todos aquellos que tengan ganas de trabajar un proyecto personal

Desde mi experiencia personal como curadora considero que debemos pensar la curaduría fuera del podio que a veces suele ocupar, ya que considero que el curador es un investigador que articula diversos saberes que le permiten llevar al espacio concreto una propuesta teórica determinada.

Esta propuesta debe estar atravesada por una toma de posición, ya que ante todo creo que un curador decide y forja su estilo a través de la práctica, tal como el artista consolida su obra a lo largo del tiempo. Esta toma de posición, que iremos definiendo tibiamente hasta que su fuego nos haga arder, es a mi modo de ver lo que hace la diferencia entre una muestra más y un verdadero proyecto curatorial.

Trabajaremos en esta definición hasta convencernos que solo desde esa claridad podremos llegar a los espectadores.

2017-08-05 12.29.19.jpgVISITA A DOCUMENTA/ESCÉNICA CON GABRIELA HALAC Y SOLEDAD SÁNCHEZ GOLDAR

El taller consta de dos partes:

  1. teórica en la que abordaremos los conceptos

Desde los conceptos teóricos de la curaduría, con el análisis de algunos casos y proyectos curatoriales iremos definiendo nuestro propio proyecto a través del cuál conoceremos la practica curatorial desde la práctica.

  1. disciplinas básicas que hacen a la curaduría:

– escritura de proyectos

– investigación del tema

– aproximación a la historia del arte

– gestión de recursos

– relaciones institucionales

– definición de un público ideal

– diseño de exposiciones y estrategia de circulación en un espacio especifico

– catalogo y documentación del proyecto

– manejo de la prensa y difusión del proyecto

– visitas guiadas y propuestas complementarias a la muestra en si misma

Todas estas disciplinas, que pueden abordarse en profundidad cada una de ellas, pueden ser herramientas para un aprendizaje que nos permita entender la curaduría como una practica que nos acerca a un tema, artista o propuesta que, de manera personal, deseamos desarrollar en profundidad para que en un periodo de tiempo determinado esta práctica tome forma concreta en el espacio, que decidamos como el mas apropiado para nuestra idea.

2017-08-06 14.45.18.jpg

El taller acompaña desde el inicio germinal una idea que a través del desarrollo de los diversos puntos que necesita profundizar un proyecto curatorial pueda ir tomando cuerpo hasta volverse real.

2017-08-05 17.35.21.jpgVISITA A MUSEO DIONISI CON RODRIGO FIERRO

El taller se lleva a cabo durante 3 encuentros intensivos y un seguimiento personalizado del proyecto de manera continua y permanente.

Esperamos lograr proyectos que puedan ser recomendados para llevarse a cabo en espacios locales.

By

Augusto y León Ferrari- padre e hijo

Filiación

Esta itinerancia  comienza en Salta muchos años antes de su concreción, todavía vivía León cuando al conmemorarse el bicentenario de la Batalla de Salta me pidieron que investigara qué había pasado con una obra de su padre, de 96 metros de largo por 11 de ancho que había realizado para el centenario de la misma. La pintura era valiosa debido a su realismo; Augusto realizaba extensas investigaciones previas a la realización de sus panoramas: Messina, Salta, Tucumán y Bahía Blanca, fueron realizados por él. Para la Batalla de Salta viaja a la ciudad, saca fotos en el terreno, retrata a personajes locales y él  mismo se registra montando un caballo brioso, realiza múltiples bocetos previos a la pintura que claramente diferencia como su obra.  Los panoramas o dioramas son trabajos de tamaños monumentales que él realiza con un par de  ayudantes, afines a los inicios de la fotografía y a la puesta escenográfica de principios del siglo XIX que respondían al deseo del hombre por atrapar la realidad y congelar el tiempo. De alguna manera anticipan lo que luego fue el cine como entretenimiento masivo o las increíbles instalaciones que realizan los artistas actuales sin saber que este formato les dio origen. Qué es obra y qué es boceto desde la mirada de Augusto y de León  nos establece un punto de partida para comprender los diversos momentos del arte que ambos transitan. En la obra de León difícilmente podremos establecer este tipo de categorías; las pruebas y experimentaciones son sus obras, sin poder establecer un claro límite, ya que aquí el proceso es la obra. Esto para Augusto era inadmisible; bocetos, fotografías y planos trazados a mano eran simples aproximaciones a lo que él estaba buscando.

11880318_10207422901156882_6556117924966376267_n 11887876_10207422901396888_1147479604560941037_n 11889559_10207422933357687_2283166546684778763_n 11908418_10207422902276910_3175680902656312920_n

Como diría Augusto “él era un hombre del renacimiento” que debió atravesar el siglo de las vanguardias, defendiendo sus intereses arraigados en el realismo, la investigación, el estudio previo. La fotografía entonces era un lenguaje menor, casi un boceto a mano alzada. Estas escenificaciones hoy nos develan una obra fotográfica de gran valor histórico y estético. El paso de la fotografía de mero registro a un lenguaje altamente cotizado dentro del mundo del arte nos permite descubrir en los bocetos de Augusto una obra maravillosa en sí misma. Su  pasión por la historia se evidencia en  la construcción de iglesias, que realizo no solo como sustento para su familia, sino que también le permitió  investigar al hombre desde su lado más sutil. La historia de la religión es la historia de los hombres y esto se demuestra en sus increíbles realizaciones: San Miguel en Capital, Los Capuchinos en Córdoba son apenas dos ejemplos de las múltiples obras y proyectos que realiza para la Iglesia Católica. Sin ser religioso esta etapa le permite profundizar en sus estudios  y continuar produciendo una obra que para él  solo se alcanzaba en estas grandes dimensiones. La investigación de la historia a través de la iglesia es algo que León continua desde diversos abordajes posteriores y es quizás una línea que podemos seguir para empezar a establecer este diálogo que hoy tenemos el placer de atestiguar. A simple vista pueden tener posiciones opuestas, pero en realidad ambos fueron observadores de la historia y la iglesia fue una plataforma para evidenciar su interés, profundamente arraigado en el ser humano.

11866344_10207422936277760_8724582281459352807_n  11928744_10207422936717771_8155535977060293879_n

Superar el prejuicio en la obra de León es casi obligatorio en este recorrido que nos lo muestra de manera estructural, al conocer la obra de su padre vamos descubriendo de donde proviene su fuerza, su convicción, su certeza. La calavera que abre el diálogo estaba en el estudio de Augusto, él la pinto varias veces ya aproximándose a la muerte, seguramente reflexionando con la pintura sobre ella. León interviene este objeto, para hablar desde un lugar muy personal sobre la muerte como estrategia política que involucra los intereses del capitalismo por sobre los intereses de los hombres. León transita otro tiempo del arte y de la historia, debe exiliarse durante la dictadura en Brasil; se acerca y se aleja  del arte durante algunos periodos donde no puede producir, luego su espíritu retoma su forma luminosa, potente, original que claramente él agradece como legado de su padre.

11863510_10207422936077755_4338390323399975829_n 11899792_10207422934357712_4363170971825306179_n

La crítica a las instituciones de León evidencia un profundo amor por el ser humano, la permanente estrategia de visibilización de aquellas prácticas llevadas a cabo en nombre de la iglesia ponen en contradicción todo su esquema de funcionamiento. León es una voz que habla por las múltiples víctimas de estos actos. Defensor de los derechos humanos que milita desde su obra, arremetiendo contra aquellas acciones humanitarias que simulan sus verdaderas manipulaciones a través de instituciones que se vuelven cómplices al aceptar los intereses materiales de unos pocos por sobre los intereses del ser humano como tal.

11887860_10207391778058824_3715336998539251854_n 11902572_10207391775898770_2189132350167039199_n 11906783_10207391802259429_7359821441636789546_n

Augusto fue un sobreviviente de su propia historia, hijo natural fue criado por una nodriza, en una aldea rural de Italia; tardíamente reconocido por su padre, un comerciante italiano que  aparece ya en su entrada adolescencia a darle su apellido.  Ferrari no responde a este modelo rural, sus múltiples y avanzados estudios no reflejan su niñez. Su padre aparece cuando él debía ir a la universidad y le exige estudiar arquitectura, ante sus profundos deseos de ir a la. Por lo tanto primero estudia arquitectura y luego realiza la carrera artística, este oficio obligatorio que le permitiera mantener a su familia él también se lo impone a su hijo. León estudió ingeniería antes de evidenciar algún interés por el arte. Muchas veces el ingeniero firmó los planos del arquitecto Italiano, que no había revalidado su título en Argentina, es casi una burla del destino que León haya firmado proyectos eclesiásticos. Pero es en realidad allí donde inicia sus propias obras que se acercan más al lenguaje  conceptual que a la realización técnica de su padre, esmerado por atrapar el realismo con sus gigantes interpretaciones de la historia y la religión. León aceptó tempranamente que él no tenía su misma destreza para el dibujo y la pintura,  menos para abordar tremendos trabajos de esmerada laboriosidad manual. Su propia historia lo lleva a abordar nuevos lenguajes, su presente lo increpa y lo acerca a una síntesis conceptual que refleja más un manifiesto crítico de su tiempo antes que una laboriosa pintura. El arte de León es claramente político,  sobre todo en sus inicios que están atravesados por la  formación en un colegio alemán durante la preparación de Hitler para la toma del poder y el plan de exterminio judío del nazismo, la experiencia de la dictadura y el exilio lo afectan directamente y el exorcismo del mal se lleva a cabo a través de sus collages, sus dibujos, sus manuscritos e intervenciones.

11866410_10207422860075855_7790041317633586828_n

León debió situarse en el presente, aunque  vuelve una y otra vez sobre la obra de su padre, la reinterpreta a través de la experimentación de nuevos lenguajes y nuevas tomas de posiciones político -ideológicas.

11917742_10207422874716221_7831621595106013308_n

El clan Ferrari  tiene como punto inicial a Augusto, un sobreviviente de su propia historia que logra revertir su destino, él mismo llega desde Italia con su hija Augusta, la historia se repite pero él la revierte, cría solo a su primer hija hasta la llegada de Celia, el gran amor que lo acompañaría durante toda su vida.  Desde Augusto se sienta un precedente familiar que instiga a investigar al ser humano, a fortalecer el vínculo y permanecer aún hoy  como un fuerte núcleo clánico, un conciábulo  que se extiende al presente a través de sus nietos y bisnietos, del amor y la re lectura de la obra de ambos.

10985497_10207422861475890_2848156869115607306_n 11892085_10207426907817046_7833036070249683998_n 11899836_10207422861155882_3017129476567659272_n

Ser testigo de este diálogo que se genera a través del cruce de la prolífica producción de ambos que hoy alberga la fundación que León creara antes de morir para preservar la obra de su padre, junto a la suya. Dice León que ya casi con noventa y cinco años su padre lo apoyo ante el repudio de sus obras; Augusto, el hombre del renacimiento tenía aún entonces la mirada lúcida puesta en el amor y la pasión por el conocimiento; podía incluso con casi un centenar de años discernir esta profunda convicción de las criticas de aquellos que preferían quedarse en la superficie de las formas.

11880489_10207391820979897_8495541446987424163_n 11890956_10207391831860169_5535377246328684478_n

Este diálogo es un acto de amor entre dos grandes hombres, padre e hijo, que atravesaron más de dos siglos  de arte con sus obras. El humor nunca estuvo ausente, aún en los momentos más oscuros la calavera que ambos toman como punto de partida para pensar la muerte nos sonríe; la misma sonrisa que ellos advirtieron de este cráneo que vaya  saber desde donde les sonríe. En las fotografía de Augusto de sus hijos y su mujer, en los músicos de León, vemos  mas allá de sus tomas de posición para evidenciar su  continúa experimentación con nuevos materiales que lo vuelven a la reflexión sobre los limites del arte, cauce central por donde se desarrollan sus múltiples preocupaciones.

11891099_10207426909217081_4383055085893146236_n

Superar el prejuicio ante la obra de León nos permite descubrir al hijo, al hombre, al padre, al ser humano que fue realmente su verdadero punto interés a lo largo de su intensa vida. Me atrevo a pensar que su legitimación fue casi una excusa para poder algún día volver nuestra mirada sobre el gran legado de su padre, que por convicciones renacentistas en un siglo de radicales vanguardias paso desapercibido y  casi negado por la historia el arte.

Marcela López Sastre / co-curadora de la muestra

 

By

¿Quién es el fuego? – Roly Arias

La pregunta inicial resume la búsqueda. “Soy solo” es casi una circularidad del lenguaje ya que el fuego no puede mas que ser una experiencia  solitaria. Perspectiva  desde donde observa lo que arde y se ilumina, se expande y se consume como atravesado por los acontecimientos, como un canal abierto por donde se vierten los relatos. El silencio  es otra manera de comunicarse o no comunicarse, si fuera posible. La terca palabra silenciada a cada paso nos entumece y nos aploma, no hablar no significa  no comunicarse, el cuerpo habla en vez de la voz cuando se enfrasca mascullando lo que no pudo decir.

 

Los dibujos de Arias son siempre literatura y lenguaje, las circunstancias se relatan y la búsqueda del fuego se refleja en instantáneas que desde los oscuros perfiles de sus personajes se gritan, se susurran, se atropellan y se aíslan. Hay una narrativa en la obra de Arias que permanece a través de los diversos contextos donde sitúa a sus sujetos. Esta vez la búsqueda del fuego se embarca en soledad y el silencio es el punto de equilibrio desde donde se sostiene el juego de retratos que enmarcan las múltiples narraciones de “Soy solo”.

 

La serie ¿Quién es el fuego? de Roly Arias es un nuevo relato que lo atraviesa y se va narrando a sí mismo. Dibujando, pintando, develando la historia que se escapa naturalmente y como puede se abre paso sobre el papel o la tela. El fuego se cuenta desde los encuentros y desencuentros; palabras, gritos, voces y silencios desatados en el plano casi a coro. Los trazos gruesos del negro sobre el negro. El color es aquí la chispa que recuerda que solo desde el conocimiento de la oscuridad es imposible la ceguera.

 

Hay algo gregario en la pintura de estos perfiles oscuros que se instalan sólidos y sórdidos, las múltiples pinceladas forman paralelas que refuerzan el cauce del lenguaje, del tiempo sobre el tiempo. El encuentro y el silencio, el dolor, el desentendimiento y el placer de percibir al otro en sintonía con nuestros gestos.

 

La repetición de un silencio donde todo se acomoda plácidamente en el lugar del papel que le pertenece. Si hay algo permanente es el cambio y Arias lo sabe, nos lo cuenta.

 

“Soy solo” funciona casi en paralelo con “Quien es el fuego” a pesar de sus evidentes diferencias estéticas. La presencia ineludible de los sujetos  se atenúa en  esos rostros que funcionan como marco para las diversas situaciones que se desarrollan dentro de sus bocas, sus comisuras, sus pestañas. Todo puede funcionar como contexto para el lenguaje y sus posibilidades. Todo queda finalmente gravado en nuestros rostros ciegos, sordos, mudos; amantes, risueños, iluminados.

 

Marcela López Sastre

 

 

11357093_980055812013907_8713395892130978443_o

 

 

 

 

By

Geometría, abstracción y movimiento- Rojo- dic. 2014

30 x 19,6 cm (5) 30 x 19,6 cm (6) 30 x 19,6 cm (7) 30 x 19,6 cm (8) 30 x 19,6 cm (9) 30 x 19,6 cm

obras de Mariano Barrera

Toda representación es una construcción de nuestros pensamientos, somos un filtro por donde la objetividad debe atravesar inevitablemente para generar un relato sobre el mundo y nuestra manera de mirar. La objetividad es un consenso, una puesta de acuerdo respecto de cierta representación de las cosas.  El arte es una manera de aproximarnos a la realidad y su práctica una configuración que determina la relación del artista con el mundo y del espectador con la obra.
El arte geométrico, abstracto y cinético han sido parte de una serie de movimientos relacionados con las vanguardias europeas de posguerra; el contexto internacional tras la segunda guerra mundial cuestiona la subjetividad y al simbolismo proponiendo una práctica  ligada a la investigación y al desarrollo industrial que descubría un mundo de velocidades inexploradas.
 El desarrollo industrial impuso nuevas herramientas  y nuevos materiales, inexistentes hasta entonces. Los artistas se manifestaron explícitamente respecto a su posición frente al progreso y su rechazo inminente de la idea “creativa”. El arte es inventivo y exploratorio, sus prácticas derivan de la aceptación de que su realidad está en los puntos, las líneas, los planos, los colores y la construcción de obras con mecanismos ópticos, que investigan las percepciones del espectador desde un lugar totalmente nuevo.
 En 1944 se iniciaba en Argentina la manifestación de un arte abstracto de corte geométrico, liderado por un grupo de artistas que destacaban la necesidad de una propuesta estética, ética e ideológica que acercara la práctica artística al pensamiento científico, lógico y analítico exento de cualidades intuitivas o irracionales. Rompiendo con lo figurativo y exaltando el racionalismo, guiados por un ideal de Modernidad donde  el arte era parte de la vida cotidiana: sin ficciones ni estrategias de representación.  Este arte se oponía al expresionismo, a la representación y al simbolismo. La palabra “invención” se vuelve clave, pues marca la distancia de la idea romántica de creación y sus connotaciones de subjetividad, el  espíritu racionalista del hombre moderno necesitaba  un artista que no impusiera su impronta personal, ni buscara representar la realidad desde sus propias categorías simbólicas. La realidad es lo concreto y en el arte  la realidad es el plano,  las formas, los ritmos.
Estas ideas se manifestaron en la revista Arturo, principal órgano de expresión teórica del movimiento, cuyos integrantes fueron Tomás Maldonado, Arden Quin, Rhod Rothfuss, Gyula Kosice, Edgar Bayley, entre otros. Arturo en su primer y único número reunió a una diversidad de artistas plásticos, intelectuales y poetas que coincidían en la misma línea de pensamiento.
La violenta ruptura con todo lo anterior, característica esencial de las vanguardias prolongaba una larga tradición argentina que  hacía eco del arte europeo a través de la formación de los artistas y de la lectura de la historia del arte occidental; que lejísimos estaba de las problemáticas latinoamericanas.
Este mismo espíritu beligerante de la vanguardia  llevó a los artistas a ir tomando posiciones individuales cada vez más radicales, algunos deseaban inventar una estética más rigurosa y purista, otros optaban por un arte más abstracto.  Arte Concreto Invención se redujo a las manifestaciones plásticas visuales, mientras que el grupo Madí –una de las escisiones nacidas del grupo original-  extendió su campo de acción a la música, la danza, la literatura, la arquitectura, la pintura y la escultura, exaltando las trasformaciones y los movimientos.
La eliminación del formato marco era parte de esta deconstrucción de un relato  que separando el entorno con este rectángulo claramente definía la historia posible  fuera de la realidad. Esta visión otorga una nueva perspectiva al espectador que  accede a un grado de conocimiento de rigor compositivo, basado en el concepto constructivo de la imagen,  la  recomposición fragmentada y dinámica, los estímulos perceptivos que la ciencia ayudó a crear desde formas hasta entonces inexploradas.
Es por lo menos llamativo como el arte actual hace eco aún hoy de las vanguardias, lo evidenciamos en la práctica de jóvenes artistas que investigan la geometría, el movimiento y su instalación en el espacio como forma concreta.
La obra de Agustina Rodríguez Suhurt explora los límites del espacio extendiendo las formas y los colores sobre las superficies externas a la obra en sí misma, como objeto concreto que  propone superar sus propias limitaciones espaciales. La obra de Guillermo Córdoba va más allá de la ruptura del marco y nos da vuelta el bastidor, lo pinta como objeto en sí mismo, con planos de colores en sus bordes, para luego desarmarlo y montar el reverso  develando el esqueleto de la pintura, su  invención del lenguaje pictórico, su estructura material. Ángel Pacheco con su  pieza nº2  (aproximación a una pintura instalada) sale del bastidor tradicional, donde la pintura abstracta por sí misma podría completar la obra pero no…fuera del plano se instala el color; un objeto que descentra el interés de la composición ocupando el espacio como límite concreto que finalmente deriva en la abstracción del concepto como materia.
La instalación como concepto deviene de alguna forma de esta necesidad de salirse del marco y ocupar el espacio como materia, Lorena Arce instala en La Lucera (espacio de vidrio que conecta los 2 pisos de la Galería) una serie de cortes en papel, con formas filosas y en caída desde el cielo que comunican el espacio; integrándolo desde su intervención que durante la noche, sólo para los espíritus noctámbulos, se transforma mediante efectos de lumínicos que transforman el espacio transparente, pulmón de luz y oscuridad.
La abstracción de Agustina Pesci,  bordando servilletas con cabello humano, nos enfrenta al gesto de la costura, a la mano atravesando el pelo por el blanco del papel, a la aguja y al hilo. Mecanismo iniciático de la identidad, ofrenda de nuestro bien más estable en el tiempo, el que morirá mucho después que nosotros: nuestro pelo.  Julieta Marasas sigue la línea de la mancha para generar las formas; las líneas se dibujan  por el movimiento de la pintura sobre el plano y desde allí todo cobra estructura. La geometría surge de la abstracción. Julio Gambero propone un gesto lineal, pintura, pespunte, síntesis de la forma que se construye en la mirada.
Federico González desde una estética que claramente nos remite a la grafica industrial de la  posguerra, del desarrollo de la imprenta en su máxima potencia, del consumo de diarios y revistas, discos, libros: la industria cultural tiene sus códigos. Este artista cruza los límites proponiendo obras que surgen del diseño y viceversa. Santiago Chipont repite fragmentos del registro fotográfico de espacios arquitectónicos construyendo estructuras imposibles, laberintos cerrados en sí mismos,  formas cerradas sobre su propia línea.
Karina Seco juega con nuestra percepción a través de la superposición de materiales traslucidos, formas geométricas y dinámicas logradas por el uso e investigación de paletas estridentes de colores planos y puros que interactúan vibrando en nuestras pupilas.  Los calados geométricos también se instalan desde su obra incorporando el vacío como materia.
 Eric Von Eberan lo dice claramente: “Desde la paleta y los planos que se repiten a lo largo de las obras hasta las “elaboraciones de tipo literario” en donde de alguna manera podrían convivir preguntas relacionadas (…) a la “memoria acumulada”. (Mis obras son) Ejercicios de visión sobre la imagen; su  ruptura y reconstrucción bajo una nueva mirada de los espacios vacíos, puntos negros o signos de pregunta  inmersos en la pintura misma…”
 Rojo se propuso pensar desde el espacio estas prácticas que permanecen vigentes en la actualidad de los artistas locales, muchos de ellos emergentes. Han pasado 74 años desde los inicios del arte concreto, buen momento para mirar de frente y volver a definirlo desde la producción joven cordobesa. Excelente  instancia para pensar que es el arte contemporáneo y cuáles son las superestructuras  que lo conforman históricamente.
Mariano Barrerra
bisel
El corte preciso, la repetición del mismo una determinada cantidad de veces para ambos lados y luego la estructura y el cuadrado que se repite y se corta. Y todo esto otra vez,  una exacta cantidad de veces.
Materiales austeros si los hay: una trincheta y un buen cartón; a veces blanco, a veces gris: con esto Barrera hace su obra, es el gesto del corte sobre el papel, el pulso firme, el previo diseño de la estructura que se va construyendo de la tarea del bisturí que va haciendo visibles las construcciones, las vueltas, los giros.
Estructuras que en escala nos doblegarían por su perfección imposible.
Aquí no hay nada librado al azar, el arte es oficio y disciplina y repetición de sus propios códigos internos: la línea sobre el plano, la geometría y su dimensión en el espacio; las leyes de gravedad y la posición del tiempo. El equilibrio de las fuerzas, la disciplina y el silencio.
No hay color, solo cortes sobre el material.
Hay en Mariano una clara coherencia entre su obra y su trabajo dentro del mundo del arte, creo que hay ciertos caracteres que pueden realizar algunas tareas vedadas al resto. Este carácter esta regido por la disciplina, la pulcritud, lo exploratorio y lo concreto; su obra refleja este interés en el arte per se que se somete al más cínico juicio: el de la destreza de la técnica.
Develarse con tan pocos elementos es sincerarse de una vez por todas, no hay interpretaciones, representaciones, ni simbolismos. El campo se demarca claramente, estamos dentro del lenguaje del arte y esto implica que la realidad se limita a sus problemas: materiales, práctica, hábito. Hay cierto espíritu meditativo en este método.
 

By

El pretexto del color- MARCOS TORINO

 

torino1

El espíritu del arte es exploratorio

La muestra de Marcos Torino instalada desde el 10 de Octubre en el mac Salta nos permitirá, si nos detenemos a escuchar sus latidos, investigar sobre las poéticas que implican los procesos creativos a la vez que nos desnuda el placer del artista recorriendo sus posibles vertientes. Hay una ineludible admiración por la naturaleza y sus formas, desde lenguajes actuales (como  la instalación y el video) nos retrotrae a momentos de la historia del arte donde la organicidad de las plantas fue “la fuente” de inspiración de las artes, como  por ejemplo sucedió en el periodo de la secesión vienesa donde se recuperó  el modelo de  belleza de las formas de la naturaleza como insuperable por cualquier otra belleza creada por el hombre.

No solo desde allí hay un guiño a la historia del arte, el  nombre de la muestra y el video donde Torino va en busca de sus colores  nos recuerda a los artistas que tras la elaboración de sus pigmentos exploraban el paisaje buscando en él la materia prima desde donde generar su paleta de color; moliendo piedras, cortezas, semillas, sustancias minerales…  la pintura era una mezcla de estos descubrimientos que luego se aglutinaban  con alguna sustancia oleosa o una  albúmina que le permitiera tomar la consistencia necesaria para que el color se fijara a una tela, a un muro, a un papel. Esta concepción de la pintura es totalmente opuesta a la que podemos tener hoy; ya que con la industrialización de los materiales las paletas se han estandarizado y estos procesos donde la pintura y la alquimia se tocaban parecen una fábula.

El nombre de las obras nos completa la idea: sistema y color suena a un tratado científico sobre esta búsqueda. Torino desde la poesía del lenguaje visual  ironiza sobre la teoría, la historia y el recorrido que finalmente por más vueltas que le demos siempre empieza y termina en el disfrute de  la travesía per se, en el enamoramiento del irse adentrando en la naturaleza para re-descubrirla cada vez. Hay una vuelta a las formas  simples, geométricas y orgánicas. Kandinsky resuena desde la mirada donde lo científico y lo alquímico son casi inseparables, aún cuando por resolución plástica este laboratorio espiritual  nos devuelva visualmente solo signos, círculos, líneas sobre el plano. Es allí en la síntesis donde yace la verdad del color y la forma, su origen.  El espíritu del arte es exploratorio.

Incluso en el diálogo con un baqueano que cuenta su travesía tras una burra perdida el artista remarca esta simpleza; la misma edición se limita al registro sin realizar cortes, ni incluir efectos. El arte tiene sus raíces en las formas simples,  es este punto de inflexión el que nos devuelve la posibilidad y el pretexto para volver a mirar lo real, no lo ficticio…que es solo una abreviatura de lo que nos sucede cuando emprendemos viaje y nos diluimos en el proceso.

mac salta- octubre 2014

https://www.youtube.com/watch?v=BAaLrSTguMY

By

Historia y práctica fotográfica

Desde hace varios años me dedico a la docencia fuera de las instituciones educativas, me parece necesario estudiar la historia del arte y más particularmente de la fotografía para poder desarrollar proyectos personales que permitan un relato particular: que nos permitan determinar nuestra posición  frente a un contexto cada vez mas general; cada vez menos permeable a las voces individuales.

008 Julio Lavallén, artista invitado

Las artes visuales, en el presente, se influyen e interceptan unas con  otras: la fotografía y la pintura, la instalación y el teatro, la acción y la performance nos permiten pensar un proyecto para luego decidir el lenguaje que mejor nos permita desarrollarlo.

P2010268 Clases teóricas sobre historia

A partir del análisis de obra de artistas, visitas a talleres e invitados especiales vamos trabajando sobre los proyectos personales, cada nueva experiencia grupal enriquece el proceso individual.

 

By

“Carybé: Héctor Julio Páride Bernabó”

Alguna vez le preguntaron a Carybé si había nacido en Bahía a lo que el respondió: “no señor…no lo merecía”; hay en esta respuesta cierta ironía que atraviesa toda su vida.

27 tallas en cedro de una pieza cada imagen de los Orixás - Trabajo que Carybé realizo en un año

27 tallas en cedro de una pieza cada imagen de los Orixás – Trabajo que Carybé realizo en un año

Carybé nació en Argentina por casualidad, de madre brasilera y padre italiano fue parte de un clan familiar que se caracterizó por no afincarse en ningún lado. Apenas nacido en 1911 la familia emprende viaje hacia Italia donde se radica unos años hasta  regresar a Sud América,  en Rio de Janeiro Carybé realiza sus estudios y se forma artísticamente. Cuando  deciden volver a Buenos Aires  Carybé se lleva  una profunda decepción, no se siente para nada interesado en las búsquedas locales: interesados en las vanguardias europeas, lejanos de su problemáticas latinoamericanas.  Este eurocentrismo se contraponía a la formación que había recibido Carybé en Rio, donde la cultura popular local era el eje de interés de los artistas. Este desencanto con la intelectualidad porteña lo acerca a ciertos referentes que buscaban otra línea de pensamiento más relacionada a la problemática “americanista”.  En la década  del ´40 emprende  viaje  hacia el interior del país: Salta como base para luego ir por tierra y por rio hacia Bolivia, Paraguay, Perú y finalmente Brasil, donde se radicó para desarrollar su obra mas importante: la recuperación de la cultura afro brasileña en Salvador de Bahía.  Allí hoy él es un personaje popular, con vasta obra en la vía publica y obra expuesta de manera permanente, en Argentina se lo desconoce a  pesar que hay mucha obra suya en nuestro país, ya que sus relaciones jamás se cortaron. Se caso con una salteña y este vínculo fue grabado a fuego.

Instituto Carybé - Bahía de todos los Santos

Instituto Carybé – Bahía de todos los Santos

 Su generosidad y personalidad expansiva dejo huella donde fuera, pero en Argentina no existen escritos donde se estudie su trabajo, hay escasos textos en español que nos permitan  descubrir a este artistas de prodigiosa y abundante producción.  Increíble escultor, dibujante, escritor, ilustrador, músico,  grabador, pintor y  muralista; sus más de 5000 obras nos descubren a un artista genial bendecido por el destino. Se negó a mudarse a Estados Unidos cuando obtuvo un premio para realizar dos murales en el Aeropuerto de Nueva York,  tras su trabajo volvió a Salvador donde latía el corazón de su obra y desde donde continuo hasta el mismo día de su muerte.

Allí se exponen las tallas

Allí se exponen las tallas

Carybé se sitúa a principios del siglo XX, momento histórico del arte donde se derriban todas las barreras y se  invaden los territorios  de lo social, de lo político así como se propone paralelamente una mirada netamente estética: el arte por el arte, la abstracción total como negación del mundo externo al arte.  En su momento se lo encasilla en Argentina dentro del realismo social de Antoni Berni y  Juan B. Castanigno, quienes también bucearon en el interior del país. Eso fue justo antes que él decidiera partir primero hacia Salta y luego a Bahía para allí instalarse definitivamente, en el corazón de la Latinoamérica negra.  

 

Instituto Carybé

Instituto Carybé

Salta fue la  bisagra y la frontera con la selva  al norte de la Provincia en Tartagal, donde residió Carybé  con el grupo Salta,  conformado  junto a Manuel J. Castilla,  Luis Preti, Raúl Brié, Gertrudes Chale y Carlos Lugo, experiencia real de integración con el medio y convivencia con las comunidades del Bermejo y el  Pilcomayo.

parte del grupo Salta

parte del grupo Salta

La  necesidad de pintar y dibujar, de estar en contacto directo con la gente. Carybé descubre en Salta su núcleo de interés: conviviendo con las comunidades originarias del Chaco salteño comienza la verdadera estructura de su obra que radica en la revalorización de las culturas precolombinas, sus creencias, sus prácticas,  sus mitos y religiones.

AZULEJOS AZULEJOS2

Diseños de Rejas y azulejos para obras que realizó en Bahia

 

bagre azul baño de criollas

Rio Pilcomayo

carnaval chicoana

Salta

casa chicoana Casa de Chicoana donde vivió el Grupo Salta grupo salta salta grupo

Grupo Salta

con caymmi y amado CON GARCIA MARQUEZ con pierre verger

Con sus hermanos: Jorge Amado, Dorival Caymmi/ Gabriel Garcia Márquez y Nancy (su esposa) / Con Pierre Verger

 

cosecha el gallo                                                              la prueba del calostro

Salta

en el taller 2 en el taller en NY firmas

Su taller, pintando un mural, en Nueva York. Sus firmas

flia fusilamiento   guarani la muerte de alejandrina

rancho    san francisco

yaguarete        P1420636

 

Representación de Carybé

Representación de Carybé

Fiesta de cumpleaños de Carybé en el Pelourinho

Fiesta de cumpleaños de Carybé en el Pelourinho

By

Premio Hotel Colonial a las artes visuales

PORTADA

Creación, organización y curaduría:

Marcela López Sastre – Luis  F. Escoda

I y II edición

El Hotel Colonial, ubicado frente a la Plaza 9 de Julio en pleno centro de la ciudad de Salta, ha sido un permanente apoyo al arte y la cultura local. En sus 70 años de existencia mantuvo una actitud permeable a su contexto, facilitando todo lo que estuviera a su alcance para generar y promover acciones ligadas al crecimiento de su comunidad.

562117_4207324107538_232268057_n

8031_235727139879965_1590946091_n

198227_235727519879927_237660252_n

198369_235728249879854_1555911672_n 282266_4207310667202_619363092_n

El apoyo a ciertos artistas de la generación del 50 derivó en una pequeña pero exquisita colección de obras donadas por los artistas en agradecimiento al dueño del hotel. Estas acciones dispersas se concentraron una linea clara de trabajo a partir de la creación del Premio a las Artes Visuales, a través del cuál se actualiza la adquisición de obras ampliando la colección a propuestas actuales que superan el romanticismo de la modernidad.

527646_235727339879945_118668538_n 550562_235727613213251_1677404069_n

PRIMERA EDICIÓN

1- Abud, Marcelo 2- Arias Rolando  3- Aybar  Evangelina  4- Albornoz, Dario 5-Arrascaeta, Diego 6-Alejandra Silva  Daniela 7-Barcena Claudia 8-Benedetti Ana María  9-Bliman Giselle  10-Bodelón Lucila 11-Bravo Mario Alfredo  12-Campos, Mónica 13-Cañás Rodrigo 14-Carón, Josefina 15-Chaile Gabriel  16-Curuchet Pablo 17-Chiachio.Giannone Leo.Daniel 18-D’Amato Mateo Emiliano 19-Dahbar Soledad  20-Del Río Claudia   21-Fernández Andrea 22-Ferrari  Mariana 23-Frías Alfredo  24-Galera Celina  25-Galíndez  Diego 26- Galván, Alejandra 27-Gómez Tolosa  Alejandro  28-Grillo, Carolina 29-Javier Soria Vázquez   30-Mizrahi Alejandra 31-Nacif Bruno 32-Ozuna Mario 33-Pellegrini Leonardo 34-Ramos Roxana  35-Romero Belén 36-Sagardoy Analía 37-Vivas Florencia 38-Jorge Martin  39-Messina,Gabriela 40-Montaldi, Virginia 41-Salfity, Ivana  42- Yannitto, Guido

 

P1290820 P1290823 P1290825 P1290833 P1290842 P1290870 P1290876 P1290882 P1290894 P1290896 P1290903 P1290938 P1290958 P1290959 P1290962 P1290965 P1290973 P1290977 P1290983 P1290984 P1290987 P1290988

SEGUNDA EDICIÓN

1-Aberastury, Gabriela 2-Abud, Marcelo 3-Arias, Rolando 4- Anaut, Julieta 5-Arguello Pitt, Teo 6-Batalla,Juan 7-Balza,Juan 8- Bellomo, Javier 9-Bernardi, Luis 10-Casarino, Claudia 11-Curutchet, Pablo 12-Chaile, gabriel 13-Di Toro, Verónica 14-Elbert, Tali 15-Fuertes, Jimena 16-Gomez Tolosa, Alejandro 15-Gonzalez Goytia, Agustín 18-Grillo, Carolina 19-Guzmán, Mauro 20-Izuel, Estela 21-Rolo Juarez 22-Silvana Lacarra 23-Pablo Lozano 24-Maggi, Valeria 25-Mirabella,Rosalba 26- Montaldi, Virginia 27-Otegui, Paula28- Pellegrini, Leonardo 29-Pastorino, Sebastián 30-Peisino,Pablo 31-Romero Gunset, Belen 32-Vidal,Mariana 33-Yannitto,Guido

Copia de ROMER G 208982_235728889879790_287985545_n 282266_4207310667202_619363092_n DI TORO MAURO ROLO ROMER G SALA NEGRA SALA NG 2 VARIAS2 YANN

By

Alta costura- Chiachio & Giannone

Chiachio_Giannone_full

Cuando pensamos la producción artística salteña, no podemos evadir algunas preguntas: ¿Como se inscribe lo artesanal en la producciónartística? ¿Es la artesanía una obra de arte? ¿Puede un museo de arte contemporáneo distinguir entre artes menores y artes “mayores? Claramente no, ya que el pensar desde el presente nos involucramos con el pasado y el futuro como construcciones discursivas y esto evidente en la obra de Chiachio & Giannone. Su obra nos permite reflexionar sobre problemáticas del arte contemporáneo desde unpensamiento que hace centro en lo local. Algunas técnicas ancestrales como el tejido y la cerámica son parte de nuestra historia cultural precolombina que durante varias generaciones se mantuvieron como artes menores, ignoradas como producción contemporánea.Chiachio & Giannone apoderándose de técnicas ancestrales reservadas al género femenino y al mundo infantil, rescatando lo artesanal y el oficio transmitido de generación en generación abren una línea de pensamiento entre la producción local/artesanal como producción contemporánea y los vínculos posibles entre arte popular y arte actual. El proceso creativo de estos artistas involucra una investigación sobre las técnicas, acompañado de un placer inevitable por compartir con alfareros, tejedores y bordadoras este viaje al pasado, donde los soportes con su propia historia son ideales para bordarles su imagen: “En nuestros retratos que nos tenían como únicos protagonistas comenzó a aparecer la imagen de Piolín (dachshund dog), nuestra mascota. Los tres jugamos a reinterpretar leyendas populares, estampas orientales y occidentales o habitarpaisajes de nuestra imaginación”.

Chiachio_Giannone_full (1)

Chiachio & Giannone nos permiten con esta muestra descubrir su obra, plagada de referencias y evidencias de quienes sobrevivieron estas técnicas a través de la historia. Por esto invitaron a la muestra a dos artistas salteños que los contextualizan: Carlos Luis “Pajita” García Bes Guido Yannitto quienes a partir de la técnica del tapiz en telar, trabajando en el mismo taller en dos momentos históricos distintos, nos permiten recorrer en el tiempo dos generaciones que se apropian del telar como instalación o como obra que a través de la trama recupera el discurso precolombino y sus representaciones. Una técnica ruda y exquisita que Pajita en los ´60 asume como propia porque allí encuentra la historia de la cultura americana y la evidencia con el sincretismo europeo, la trama del tejido hace dialogar al arte local desde una mirada universal.

IMG_0980

Chiachio & Giannone se reservan un tramo en la linea temporal, entre los tapices de Pajita y sus pachamamas y las instalaciones de Yannitto que desacralizan el telar ubicandolo en el espacio, llevándolo a dimensiones de gran formato con diseños lineales, cromáticos. La obra rio Juramento de Yannitto devela su versatilidad con el tapiz: instalándolo y usándolo para sus acciones, actualizándolo con nuevas posibilidades dentro del arte contemporáneo.

 

Cristina Schiavi, invitada también por los artistas, realiza “Mirando al luna” una escultura que a partir de su acercamiento a la obra “El Luna” de García Bes lleva a la tercera dimensión los diseños de esta obra ya histórica y emblemática de la producción local.

Inauguracion_de_Chiachio_Giannone_fotos_slide

Los ekekos, una serie de estas deidades realizadas en porcelana nuevamente llevan la obra de estos artistas al limite: la experimentación de una técnica tan distintiva como la porcelana y la figura popular del ekeko nos permiten hablar del arte popular/artesanal como lenguaje contemporáneo. El Ekeko es un dios de laabundancia, la fecundidad y la alegría; de origen aimara o colla que tras la conquista inca adopta esta representación y se convierte en símbolo de la fertilidad y la buena suerte.

La transmisión oral hace de la estética un puente flexible entre los tiempos que absorbe de cada momento su imaginería y a través de la trama hace evidente el dialogo, las referencias, las pertenencias que inevitablemente construyen la historia del arte y las imágenes que en tiempo estigmatizarán a sus culturas.

Flia+de+la+buena+suerte+-+baja

Texto catálogo exhibición “Chiachio & Giannone”

MAC Salta – Museo de Arte Contemporáneo de Salta.

Inauguración 2 de Septiembre de 2011.

By

La práctica curatorial dentro de la institución pública

P1430378

                                                   obra de Celina Jure

El rol del curador institucional: articulación de la escena local y coleccionismo

experiencia 2007-2010 mac Salta

La capital de Salta tiene aproximadamente  700.000 habitantes censados, con  un estimable porcentaje de población de los países limítrofes. Esta provincia limita con Chile, Bolivia y Paraguay,  países con los que comparte lazos históricos y prácticas culturales.  Las comunidades originarias de esta región practicaron el tejido y la cerámica;  aún  vigentes a través del  arte popular. Las artesanías han desarrollado sus particularidades contemporáneas, sobre todo en la última década, como consecuencia de las políticas estatales. Podemos decir que la producción local-actual aún está mas ligada al arte popular que ha ciertos lenguajes del arte contemporáneo, entendidos como aquellos visibles en los circuitos legitimadores, que funcionan en ciudades de mayor desarrollo urbano.

El mac– museo de arte contemporáneo de Salta funciona en un  edificio que  data de 1880-1890 fue construido por el ingeniero Fernando Solá. Originalmente la planta baja tuvo fines comerciales, la planta media fue vivienda familiar y el altillo estaba destinado a los empleados. Como mac cumplió 6 años de funcionamiento en Julio del  2010 y en su actual uso plantea las complejidades  de adaptación arquitectónica de un edificio creado para fines distintos.  Conforma en la actualidad  parte del casco histórico que rodea la plaza principal y esta ubicado en la esquina de las calles: Zuviría y España.

Tras su uso tradicional la propiedad tuvo múltiples funciones hasta que  en el año 2004 el Gobierno la recupera y refacciona: en la planta baja se transforma el espacio para instalar las oficinas de la DGR-Dirección General de Rentas (que en el 2007 se traslada y deja el edificio para uso exclusivo del mac) y las plantas superiores  se restauraron  respetando casi íntegramente la arquitectura original.

La esquina ubicada frente a la Plaza 9 de Julio adquiere un nuevo valor dentro del contexto donde  se ubican también  La Catedral, El Cabildo y el CCA- Centro Cultural América. La organización alrededor de la Plaza  manifiesta aún el funcionamiento de una comunidad, que a pesar de su crecimiento evidente en la última década, funciona con tiempos pre-urbanos. Salta esta emplazada en medio de un valle y la naturaleza es muy próxima desde cualquier punto de la ciudad, por lo cuál lo urbano toma un carácter particular y las prácticas de ocio creativo se relacionan  mas a las actividades al aire libre que a la oferta artística- cultural. Esta aclaración  no es menor cuando pensamos en la creación y el funcionamiento de un Museo de Arte Contemporáneo en este contexto.

La gestión y creación del mac Salta se lleva a cabo en paralelo con varios proyectos,  parte de  un plan estratégico, que respondían  a una política de estado focalizada en el  turismo y  se acompañaba con la actualización de su oferta cultural. Esto se hizo evidente desde el año 2000 al 2007 con ciertas variantes desde el 2007, año en el que sea realiza un cambio de gestión que  había perdurado  por tres periodos electorales durante 12 años consecutivos.

En Julio del  año 2000 se termina la refacción de la Casa de la Cultura. En el año 2004  se inauguran el mac – museo de arte contemporáneo y el MAAM-Museo de Arqueología de Alta Montaña ( allí se exhibe el ajuar y  los niños Inca sacrificados en el Volcán del Llullaillaco); ambos enfrentados a la Plaza 9 de Julio. En el año 2005 se comienza la restauración de la casa que finalmente fue inaugurada en Diciembre del 2008 como nueva sede del Museo de Bellas Artes. En el 2006 el  tradicional Cine Teatro Victoria (contiguo al mac) fue adquirido y restaurado por la Provincia para el funcionamiento del Teatro Provincial, comunicándose  internamente con el museo.

La configuración de la oferta artística-cultural cambia abruptamente  en poco tiempo y esto requiere de cada institución cierta  actualización  de sus funciones y del vínculo con la comunidad. Este cambio repercutió en los actores locales que respondieron con la creación y consolidación  de diversas propuestas independientes,  gestionadas por artistas que en su mayoría  volvieron a Salta  atraídos por la posibilidad de crear proyectos propios. La permanente actividad de  Fedro, La Guarda, La Ventolera, Mamoré y el Grupo Monte, entre otros, han posibilitado junto con las propuestas estatales  una  oferta y una formación  que en el tiempo  permitió ir haciendo visibles algunas  propuestas que poco a poco  van ubicando la escena salteña  dentro del mapa de las artes visuales del país.

La tarea de estos espacios, el incentivo a los artistas locales,  la aceptación del mac como espacio de encuentro hizo  posible que desde Salta nos empecemos a proponer como productores, cambiando nuestro rol históricamente pasivo de recepción respecto a lo que culturalmente se produce en el centro del país; ya que las problemáticas y las características son otras, mas cercanas quizás de la geografía que de la división política. En este proceso el mac ha tenido un rol central como espacio articulador de la escena local y la función del curador como eje de este proceso.

By

Incorporación de la escena salteña el Museo Castanigno + MACRO

macmacro

obra de Guido Yannitto

 

Marcelo Abud –Rolando Arias- Ana María Benedetti – Florencia Blanco – María Laura Buccianti – Rodrigo Cañás- Mario  Córdoba – Mariano Cornejo – Soledad Dahbar – Luis Escoda- Cecilia García Ruffini-  Verónica  García -Guadalupe Miles – Virginia Montaldi – Leonardo  Pellegrini – Roxana  Ramos – Pablo  Rosa – Mercedes  Ruiz de los Llanos – Ivana  Salfity – Andrés Sierra – Guido Yannitto

La selección de obras que se expuso en el mac Salta antes de ser enviada para la incorporación  a la Colección Castanigno + MACRO tuvo un amplio criterio de  selección a la hora de generar un relato representativo de la producción local.

La colección de Arte Contemporáneo Argentino del Castaningno + MACRO ha formado un  inigualable corpus de obras que se inició en el 2004 a través de una estrategia que involucro desde el origen a los artistas en la donación, aceptando un valor homogéneo y  simbólico de dinero para todas las obras adquiridas a cambio del compromiso institucional de investigarlas, documentarlas, publicarlas  y difundirlas activamente. El compromiso se cumplió con la primera incorporación, que lograba un relato histórico del pasado reciente del arte argentino. Convocando a los artistas más representativos y adquiriendo una serie de obras altamente significativas en el recorte de la producción local (Rosario) y del centro neurálgico del país: Capital Federal. De esta manera lograba a través de un criterio de colección netamente definido y de una estrategia sostenida por el  vínculo con los artistas, una historia del arte argentino imprescindible y ausente hasta entonces desde un proyecto institucional.  A partir de allí las incorporaciones se propusieron registrar las escenas de las provincias, involucrando actores locales para la definición de la misma a través del envío. Así se incorporó: Tucumán, Córdoba, Tierra del Fuego,  Mendoza, Chubut, Santa Cruz y por último Salta.

Cuando se llevo a cabo el pedido de donación y la articulación de la muestra  se hizo evidente la  profesionalización de  los artistas seleccionados, representado sobretodo la generación intermedia nacida entre los ´70 y los ´80. La convivencia y la seriedad presente en todo el proceso permitió sostener una configuración de la escena en un momento de saludable crecimiento y de conocimiento de los diferentes actores dentro de  un proyecto estratégico común que involucrara las individualidades a partir del dialogo y las experiencias colectivas. Aceptando cierto acuerdo respecto a  un relato particular que trabaja desde las condiciones locales de producción.

De esta manera se producía desde Salta una representación que se integrara a  un relato más amplio de producción del arte actual del país.

mac salta –Febrero 2009

By

MUSEO JAMES TURRELL en la BODEGA COLOMÉ

2991_1129837172288_3827855_n

JAMES TURRELL MUSEUM at THE BODEGA COLOMÉ
HESS ART COLECCTION

Obra en papel, Proyecciones y Espacios  lumínicos  de James Turrell
Selección  retrospectiva de 50 años de producción  del artista a cargo del Coleccionista, Donald Hess.

APERTURA  22 de Abril del 2009
PERIODO DE COSNTRUCCIÓN  2002 – 2009

EQUIPO A CARGO DE LA CONSTRUCCIÓN DEL MUSEO

COORDINACIÓN Felix Schweizer
ASISTENTES DEL ARTISTA
PROYECTO Y REALIZACIÓN  Matthew Schreiber
DISEÑO DE LUCES  Benjamin  Pearcy GESTIÓN Y
ARQUITECTURA
DIRECTOR OPERATIVO Norberto Cornejo
GERENTE OPERATIVO  Miguel Diapol

Donald Hess colecciona con un sentido profundo, a través del tiempo. Adquiere obras que le representen un desafío o que lo movilicen a nivel personal. Se interesa en obras contemporáneas y disfruta su relación con los artistas, visita sus estudios y sigue sus trabajos; dialogando con ellos. Esta es una característica exclusiva del arte actual: la posibilidad de interactuar con el artista y poder compartir sus ideas.
En los cuarenta años que lleva como coleccionista se ha centrado en un grupo de veinte artistas, aproximadamente, de quienes adquiere series completas que abarcan varios años de producción.
Esta metodología ha dado como resultado una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importante a nivel mundial. Allí están representados casi todos los formatos: pintura, escultura, instalaciones, dibujos, impresiones, fotografía y video.
Hess cree que su responsabilidad con los artistas consiste no sólo en adquirir sus obras sino también en exhibirlas. Para ello ha construido sus propios museos: el primero fue creado en 1989 en el Valle de Napa, California (Estados Unidos) allí exhibe la mayor parte de la Hess Art Collection; el segundo Museo denominado Glen Carlou-Paarl se abrió en el año 2006 en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), allí exhibe principalmente obras de artistas africanos de la Hess Art Collection. El Museo James Turrell en Bodegas Colomé (Argentina) está dedicado exclusivamente al artista, de quien posee obras que permiten una retrospectiva por 5 décadas de su producción.  Un cuarto museo está planificado para la bodega Peter Lehmann, en el Valle de Barossa (Australia).
El compromiso de Hess con su colección nos permite pensarlo como el curador de estos espacios donde las obras cobran una nueva  dimensión  espacial y conceptual. Sus museos escriben la historia del arte actual.

James Turrell comenzó a fines de los años ´60 a utilizar la luz en el espacio como materia prima de su obra. Sus instalaciones implican la arquitectura como elementos creados en función de la luz; allí el espectador experimenta su percepción, cuestionandose los límites de la interpretación.
Turrell considera que un cambio en la percepción implica reconfigurar lo aprendido para sumergirse en mundos alternativos.  Los sueños y la imaginación influyen en la manera en cómo se crea el mundo. Sus obras son paisajes donde el arriba/abajo, adentro/afuera no existen, y su topología exige un recorrido propio y experimental.
Turrell promueve la contemplación, el silencio y la meditación como vías para alcanzar lo divino. Al utilizar la luz para crear espacios, genera nuevas percepciones que permiten cuestionar las formas en que los seres humanos están acostumbrados a concebir los objetos, lo físico, la realidad. La luz se convierte en un puente entre lo material e inmaterial, un nexo entre lo que se ve y lo que vemos con los ojos cerrados.

Instalaciones en el Museo de Colomé
James Turrell, SPREAD 2003, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, De la serie ‘Ganzfeld’ –
James Turrell, UNSEEN BLUE 2002, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, – Skyspace Abertura Rectangular
James Turrell, SLANT RANGE 1989, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, Instalación de Luz  División del espacio de la serie ‘Arcus’
James Turrell, CITY OF ARHIRIT 1976, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, Instalación de Luz De la serie ‘Ganzfeld’
James Turrell, WEDGEWORK II (PALE BLUE) 1969, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Instalación de Luz De la serie ‘Wedgeworks’
James Turrell, LUNETTE 2005, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Instalación de Luz De la serie ‘Structural Cut’
James Turrell, PENUMBRA 1992, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Instalación de Luz De la serie ‘
ALTA GREEN 1968  Proyección James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009
James Turrell, STUFE (WHITE) 1967, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Proyección
James Turrell, ALTA GREEN 1968, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Proyección

By

El coleccionista como curador I – Proceso de creación del Museo James Turrell de la Hess Art Collection en Colomé –

james

James Turrell y Donald Hess en la inauguración de Colomé

La creación de este museo a 200 km de la capital de Salta generaba un punto concreto de balance entre lo que se venia estableciendo como una producción de matices locales y una producción que netamente representa el lenguaje del arte actual a nivel global. Referente de  un exclusivo circuito de turismo  internacional relacionado con el mundo del arte y el vino, Donald Hess adquiere  la finca de  Bodega  Colomé y construye allí el Museo James Turrell de la Hess Art Collection; a 200 km de Salta Capital. Los extremos de producción estaban tan cerca que pareciera increíble que no se cruzaran, se analizó desde el mac como aquel emblema del arte contemporáneo del siglo XX que eran aquellas obras de Turrell se emplazaran en los valles Calchaquíes.

Fue entonces cuando se planteo como proyecto curatorial desde el mac evaluar de que manera la existencia de este espacio tan cercano geográficamente podría fortalecer y aclarar estos puntos de reflexión que se venían instalando entre  lo global y lo local, lo central y lo periférico.

El museo de 1200 mts2 implicó en su construcción  la más alta tecnología arquitectónica y lumínica, el mismo se construye a partir del proyecto de 9 instalaciones del artista James Turrell, adquiridas a lo largo de 30 años por el coleccionista Donald Hess. Este proceso evidencia un criterio concreto de seguimiento de la obra del artista a través de los años. La colección de Donald Hess no incluye mas de 30 artistas que él ha coleccionados durante los últimos 40 años; pudiendo generar en el tiempo un recorte y una lectura de las obras. A partir de esto se planteo el titulo del proyecto “El coleccionista como curador” y se produjo la muestra exhibiendo el proceso de creación del museo desde el criterio de coleccionismo de Hess a través de los años.

Entrevistando a todos los actores involucrados en la construcción del espacio que exhibe estas 9  instalaciones lumínicas y obras en papel de Turrell, proponiendo una lectura  a través de esta fragmentación del autor que delega en diversos especialistas; estos ponen en marcha sus proyectos; sumado a  la complejidad de instalar esta obra en un espacio tan inaccesible  como Colomé descubrimos  porque la obra de Turrell era perfecta para un espacio donde solo podemos ver el tierra y cielo.

En perspectiva Turrell es un artista  de difícil acceso; su proyecto personal  que  lleva a cabo en un cráter de Arizona hace 30 años no se diferencia mucho de esta puesta en Colomé, situada en medio de los valles calchaquíes. Ambos son espacios naturales, aislados del reflejo lumínico de las ciudades  que permite pensar la obra como observatorios astrales,  a la vez que le dan cierta pureza en sus sutiles trabajos con la luz natural-artificial en el espacio. El cielo como elemento incorporado en la obra de Turrell fue también un punto crucial  de investigación de las culturas originarias de los valles calchaquíes, que a través del análisis del sol y de la luna planificaban sus cultivos y proyectaban su vida íntimamente vinculada a los procesos naturales, que se leían en el universo.

La muestra del mac abordaba estos puntos de contacto en la lectura de la obra así como evidenciaba  los extremos de producción entre el contexto del artista y las posibilidades locales. La figura del coleccionista se plantea como un rol central en el acompañamiento del artista; ya que no solo permite aquí su realización sino que también genera una lectura particular de la misma. Este recorte propone una retrospectiva del artista y es seguramente el proyecto más ambicioso llevado a cabo con esta obra  tan compleja y tan representativa  del circuito global  del arte contemporáneo.

El proceso de creación de este proyecto también define un perfil de artista que necesariamente nos sitúa lejos del autor individual  con ciertas habilidades técnicas-manuales y nos permite desenmascarar varios clichés respecto al proceso de realización de una obra. Evidenciando  la complejidad del arte actual, que  involucra varios actores se hace imprescindible comprender una trama de relaciones que se van entretejiendo de manera tal que  proponen  la obra de arte como una construcción compleja y sutil respecto a la mirada sobre el mundo.

mac Salta- Julio 2009

By

Pa(i)sajes- 2006/2008

 

mdb

Artistas invitados: Guido Yannitto- Guadalupe Miles -Ana Benedetti-Roxana Ramos-Rodrigo Cañás-Cecilia García Ruffini

Este proyecto se propuso a partir de la necesidad de la  profesionalización del campo artístico en Salta,  una suerte de formación en tránsito. La definición del  proyecto  invitaba a la curadora a trabajar con una selección de artistas salteños a través de un itinerario que recorría 3 ciudades en el lapso de dos años. La invitación a Adriana Almada, curadora salteña radicada hacia varios años en Asunción del Paraguay, se articulaba desde diversos puntos.

Se hacia necesaria la lectura de la producción local desde una mirada  externa  que  a la vez estuviese vinculada a la escena salteña. Almada en este sentido era la indicada ya que ella había dejado Salta  un par de décadas atrás, llevando a cabo en Asunción una intensa tarea de campo respecto a la crítica, la edición y la curaduría de arte contemporáneo. Se le propuso entonces acercarle  una investigación previa que le permitiera aproximarse a la producción actual en su ciudad  natal. Esta lectura de Almada respecto a la escena salteña se proponía a través de una itinerancia que abarcaba el Cabildo de Asunción, el mac de Salta y el CCEBA de Buenos Aires.

Desde el inicio se buscó  una serie de proyectos de obra que tuvieran en cuenta cada uno de estos espacios, la itinerancia no era una puesta en sala sino que era en si misma una intervención de cada sitio especifico  y un acercamiento a las escenas propuestas.

El recorrido  no era fortuito,  el acercamiento a Asunción intentaba evidenciar las problemáticas compartidas debido a cercanías geográficas y culturales que de alguna manera se habían diluido en el tiempo. La experiencia del Museo del Barro, que tenia parte de su exposición permanente en las salas del Cabildo donde se realizó la muestra,  interesaba en particular respecto a su propuesta  del arte popular, el arte sacro y la producción contemporánea en  dialogo, generando a través de  los cruces e  influencias entre ellas un lenguaje contemporáneo particular. Esta influencia de las técnicas ancestrales como parte de la producción contemporánea era evidente  en Salta, pero no era aceptada en la programación de los espacios dedicados al arte contemporáneo. Asimismo la influencia del paisaje y la naturaleza en ambas ciudades era ineludible, factor que también se hizo presente a través de los proyectos de obra.

En este sentido la obra de Yannitto planteó el  diseño de un tapiz realizado en el taller del  reconocido artista salteño “Pajita” García Bes (quien en la década del 50 incorporo el telar como parte de su obra) que  re-significaba la ancestral tradición. Instalando un tapiz de gran formato en el espacio y otras  piezas de menor escala cuyos diseños  partían del registro fotográfico de una pegatina de afiches arrancados de un muro en un contexto pos electoral. La puesta en sala  se guiaba por esta actitud de despojo e instalaba el tapiz en el piso, lo dejaba caer sobre los zócalos o lo situaba en medio del espacio casi como un escollo a sortear en medio del recorrido, desacralizando su figura  ritual.

Benedetti con su obra “puesta” realiza una serie de intervenciones sobre  muros y ventanas, atravesando el  adentro y el afuera  desde un cielo con formas adaptables; construido  con mosaicos adheridos que en cada instancia se teñían con la iluminación artificial-natural de cada espacio y sus reflejos del exterior a través del ingreso de luz.

Miles interviene con sus fotografías  una muestra de arte plumario y arte sacro expuesta de manera permanente en el Cabildo de Asunción, sus imágenes son producto de un profundo vinculo  con una comunidad originaria que habita el Chaco Salteño. Este encuentro no es casual; las etnias wichis  son originarias de Paraguay, la comprensión del territorio como geografía y no como definición política los ha devenido en el área salteña como una prolongación de sus tránsitos, a través de los cuales habitaban  la naturaleza como un espacio sagrado.

Ramos instala un video donde continúa con ciertas referencias a su lugar natal. El proyecto Agosto propone una serie de acciones persistentes que se llevan a cabo en las dunas  de Cafayate,  la resistencia al viento que actúa sobre el arena vuelve estos gestos un poco inútiles, un poco imprescindibles y esta dualidad de alguna forma se refiere a las dudas que surgen en el campo del arte contemporáneo. El paisaje, la referencia al lugar de pertenencia y al mundo del arte desde sus prácticas continuas se concentran en mínimos indicios.

Cañás  trabaja dos ejes de su obra: las apachetas y el rio de verano, ambos elementos están fuertemente enraizados a lo local; en el ritual y la tradición que proponen el paisaje como espacio sagrado. Las apachetas son ofrendas que forman  montículos de piedra  al lado del camino, en las montañas de la puna salteña. Quienes pasan por allí las van haciendo cada vez mas voluminosas con sus  agradecimientos y  ofrendas  a la pachamama: tabaco, alcohol, coca son convidados a la tierra en estos señalamientos del paisaje-ritual. El rio de verano se levanta con las lluvias, los lechos secos y pedregosos cobran vida durante un espacio de tiempo que transforma la naturaleza y cambia de gris a verde el contexto, transformándolo de manera exuberante.

Garcia Ruffini con su “crecimiento desmedido” se refiere las urbes; cuando pensamos Salta y Asunción, perdiendo noción exacta del lugar  de ubicación podemos confundirnos,  ya que la convivencia con la naturaleza y la vegetación abundante en ambas ciudades  nos plantean cierta horizontalidad de crecimiento. Los materiales que utiliza: toma corrientes que se van alimentando,  unos a otros,  generan un elemento de alto voltaje, que a simple vista parece inofensivo pero que puede producir una descarga eléctrica desde cualquier punto de abordaje.

La claridad de puntos de contacto en la re significación del paisaje, las técnicas antiguas y el pensamiento contemporáneo admiten las particularidades de producción  y se establecen desde allí con un relato particular que piensa desde el contexto regional las problemáticas que los atraviesan.

curaduría Adriana Almada

proyecto y gestión Marcela López Sastre

By

Pa(i)sajes o la gestión como obra

yannitto-asuncion-CCR

guido yannitto-reptílineo

Proyecto y gestión: Marcela López Sastre
Curaduría:Adriana Almada
Artistas invitados: Rodrigo Cañás-Roxana Ramos- Guido Yannitto-Guadalupe Miles-Ana Maria Bendetti-Cecilia García Ruffini

Centro Cultural de la República de Asunción Paraguay (Set.-Oct. 2007) 2007/2008)- mac Salta (Dic. 2007)- CCEBA (Abr.2008)

Cuando le propuse a Adriana Almada trabajar en este proyecto me movilizaban dos cuestiones: la primera representa a muchos artistas que en determinado momento se ven inmersos en una serie de acciones vinculadas al arte que, de alguna manera, van dispersando la obra misma. El rol que aglutina tales acciones es difuso y se desdibuja ante los escasos espacios que posibilitan una formación y proyección.Entonces pensé en concretar un proyecto personal llevándolo a la experiencia de trabajo; recorriendo una región geográfica que me interesa, el NOA y sus países limítrofes.

La segunda inquietud se vinculaba con el lugar de partida: los artistas invitados, la curadora y quien escribe pertenecemos al mismo punto de partida: Salta, esto hace a nuestra producción y a nuestra obra. A la vez, todos habíamos perdido la capacidad de responder a esa pertenencia directa; nos unían una serie de trayectos cada vez más claramente nos constituía el movimiento.
Decidí no exponer y me hice cargo de gestionar recursos, enfrentar conflictos, organizar viajes y transportes, dialogar con las instituciones, chequear que todo siguiera su curso. Viajé, monté y desmonté las obras con placer, embalé y desembalé como quien no puede superar la sensación de mudanza permanente, prolongándose este itinerario durante más de un año y totalizando unos 10.000 kilómetros en caminos que registré minuciosamente.

En algún pa(i)saje me di cuenta que buscaba una mirada: la del extraño conocido que maneja internamente los códigos pero debe re-descubrirlos para hablar su propia lengua. Buscaba la imagen de quien construye en el trayecto el espacio genuino, hecho de gestos de memoria: invisibles y silenciosos, efímeros.

Marcela López Sastre
Salta, abril 2008

apacheta-cañas-asuncion-CCR

rodrigo cañás-apacheta

agosto-ramos

roxana ramos- agosto

benedetti-mac-sin iluminacion de color

ana ma. benedetti- puesta

benedetti-yannitto-garcia ruffini

cecilia garcía ruffini- crecimiento desmedido (suelo)

miles-asuncion-ccr

 guadalupe miles- de la serie chaco