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Espacio de arte contemporáneo -Design Suites

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Galería de Arte que funciona dentro del Design Suites de Salta, ubicado sobre Pje Castro 215 (entre Avda.Belgrano y Balcarce en Ciudad de Salta)

Este espacio propone una muestra bimestral, la idea es general allí un polo cultural desde donde generar un circuito de visita a talleres de los artistas locales expuestos y por exponer.

El espacio cuenta con bar, restó y un exclusivo hotel diseñado a partir de la restauración del Palacio Usandivaras.

Actualmente exponen:

JULIO LAVALLEN- PAULA CASALDELREY- EZEQUIEL RODRIGUEZ B.
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Paula Casaldelrey

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Ezequiel Rodriguez Balut

 

por consultas comunicarse a sastremarce@gmail.com

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Galerino

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Es un espacio de arte que funciona dentro de El Teatrino (Aniceto Latorre esuina Alvear- Salta)  allí hay una sala de teatro y cine, una radio, un bar y esta galería que en el 2017 se amplia; sumando una trastienda con espacio de talleres y charlas específicamente relacionadas a las artes visuales.

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En el 2016, año que coodinamos junto con Martín Córdoba, mostramos a:

  • Geotrix

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  • Mariana Bersten

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  • Verónica García

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  • Roly Arias

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  • Mercedes Ruiz de los Llanos

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  • Martín Córdoba

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en el 2017 seguimos ampliando la propuesta y creamos un espacio sólo para trastienda de artistas locales y espacio de charlas-talleres

www.elteatrino.com

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Augusto y León Ferrari- padre e hijo

Filiación

Esta itinerancia  comienza en Salta muchos años antes de su concreción, todavía vivía León cuando al conmemorarse el bicentenario de la Batalla de Salta me pidieron que investigara qué había pasado con una obra de su padre, de 96 metros de largo por 11 de ancho que había realizado para el centenario de la misma. La pintura era valiosa debido a su realismo; Augusto realizaba extensas investigaciones previas a la realización de sus panoramas: Messina, Salta, Tucumán y Bahía Blanca, fueron realizados por él. Para la Batalla de Salta viaja a la ciudad, saca fotos en el terreno, retrata a personajes locales y él  mismo se registra montando un caballo brioso, realiza múltiples bocetos previos a la pintura que claramente diferencia como su obra.  Los panoramas o dioramas son trabajos de tamaños monumentales que él realiza con un par de  ayudantes, afines a los inicios de la fotografía y a la puesta escenográfica de principios del siglo XIX que respondían al deseo del hombre por atrapar la realidad y congelar el tiempo. De alguna manera anticipan lo que luego fue el cine como entretenimiento masivo o las increíbles instalaciones que realizan los artistas actuales sin saber que este formato les dio origen. Qué es obra y qué es boceto desde la mirada de Augusto y de León  nos establece un punto de partida para comprender los diversos momentos del arte que ambos transitan. En la obra de León difícilmente podremos establecer este tipo de categorías; las pruebas y experimentaciones son sus obras, sin poder establecer un claro límite, ya que aquí el proceso es la obra. Esto para Augusto era inadmisible; bocetos, fotografías y planos trazados a mano eran simples aproximaciones a lo que él estaba buscando.

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Como diría Augusto “él era un hombre del renacimiento” que debió atravesar el siglo de las vanguardias, defendiendo sus intereses arraigados en el realismo, la investigación, el estudio previo. La fotografía entonces era un lenguaje menor, casi un boceto a mano alzada. Estas escenificaciones hoy nos develan una obra fotográfica de gran valor histórico y estético. El paso de la fotografía de mero registro a un lenguaje altamente cotizado dentro del mundo del arte nos permite descubrir en los bocetos de Augusto una obra maravillosa en sí misma. Su  pasión por la historia se evidencia en  la construcción de iglesias, que realizo no solo como sustento para su familia, sino que también le permitió  investigar al hombre desde su lado más sutil. La historia de la religión es la historia de los hombres y esto se demuestra en sus increíbles realizaciones: San Miguel en Capital, Los Capuchinos en Córdoba son apenas dos ejemplos de las múltiples obras y proyectos que realiza para la Iglesia Católica. Sin ser religioso esta etapa le permite profundizar en sus estudios  y continuar produciendo una obra que para él  solo se alcanzaba en estas grandes dimensiones. La investigación de la historia a través de la iglesia es algo que León continua desde diversos abordajes posteriores y es quizás una línea que podemos seguir para empezar a establecer este diálogo que hoy tenemos el placer de atestiguar. A simple vista pueden tener posiciones opuestas, pero en realidad ambos fueron observadores de la historia y la iglesia fue una plataforma para evidenciar su interés, profundamente arraigado en el ser humano.

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Superar el prejuicio en la obra de León es casi obligatorio en este recorrido que nos lo muestra de manera estructural, al conocer la obra de su padre vamos descubriendo de donde proviene su fuerza, su convicción, su certeza. La calavera que abre el diálogo estaba en el estudio de Augusto, él la pinto varias veces ya aproximándose a la muerte, seguramente reflexionando con la pintura sobre ella. León interviene este objeto, para hablar desde un lugar muy personal sobre la muerte como estrategia política que involucra los intereses del capitalismo por sobre los intereses de los hombres. León transita otro tiempo del arte y de la historia, debe exiliarse durante la dictadura en Brasil; se acerca y se aleja  del arte durante algunos periodos donde no puede producir, luego su espíritu retoma su forma luminosa, potente, original que claramente él agradece como legado de su padre.

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La crítica a las instituciones de León evidencia un profundo amor por el ser humano, la permanente estrategia de visibilización de aquellas prácticas llevadas a cabo en nombre de la iglesia ponen en contradicción todo su esquema de funcionamiento. León es una voz que habla por las múltiples víctimas de estos actos. Defensor de los derechos humanos que milita desde su obra, arremetiendo contra aquellas acciones humanitarias que simulan sus verdaderas manipulaciones a través de instituciones que se vuelven cómplices al aceptar los intereses materiales de unos pocos por sobre los intereses del ser humano como tal.

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Augusto fue un sobreviviente de su propia historia, hijo natural fue criado por una nodriza, en una aldea rural de Italia; tardíamente reconocido por su padre, un comerciante italiano que  aparece ya en su entrada adolescencia a darle su apellido.  Ferrari no responde a este modelo rural, sus múltiples y avanzados estudios no reflejan su niñez. Su padre aparece cuando él debía ir a la universidad y le exige estudiar arquitectura, ante sus profundos deseos de ir a la. Por lo tanto primero estudia arquitectura y luego realiza la carrera artística, este oficio obligatorio que le permitiera mantener a su familia él también se lo impone a su hijo. León estudió ingeniería antes de evidenciar algún interés por el arte. Muchas veces el ingeniero firmó los planos del arquitecto Italiano, que no había revalidado su título en Argentina, es casi una burla del destino que León haya firmado proyectos eclesiásticos. Pero es en realidad allí donde inicia sus propias obras que se acercan más al lenguaje  conceptual que a la realización técnica de su padre, esmerado por atrapar el realismo con sus gigantes interpretaciones de la historia y la religión. León aceptó tempranamente que él no tenía su misma destreza para el dibujo y la pintura,  menos para abordar tremendos trabajos de esmerada laboriosidad manual. Su propia historia lo lleva a abordar nuevos lenguajes, su presente lo increpa y lo acerca a una síntesis conceptual que refleja más un manifiesto crítico de su tiempo antes que una laboriosa pintura. El arte de León es claramente político,  sobre todo en sus inicios que están atravesados por la  formación en un colegio alemán durante la preparación de Hitler para la toma del poder y el plan de exterminio judío del nazismo, la experiencia de la dictadura y el exilio lo afectan directamente y el exorcismo del mal se lleva a cabo a través de sus collages, sus dibujos, sus manuscritos e intervenciones.

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León debió situarse en el presente, aunque  vuelve una y otra vez sobre la obra de su padre, la reinterpreta a través de la experimentación de nuevos lenguajes y nuevas tomas de posiciones político -ideológicas.

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El clan Ferrari  tiene como punto inicial a Augusto, un sobreviviente de su propia historia que logra revertir su destino, él mismo llega desde Italia con su hija Augusta, la historia se repite pero él la revierte, cría solo a su primer hija hasta la llegada de Celia, el gran amor que lo acompañaría durante toda su vida.  Desde Augusto se sienta un precedente familiar que instiga a investigar al ser humano, a fortalecer el vínculo y permanecer aún hoy  como un fuerte núcleo clánico, un conciábulo  que se extiende al presente a través de sus nietos y bisnietos, del amor y la re lectura de la obra de ambos.

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Ser testigo de este diálogo que se genera a través del cruce de la prolífica producción de ambos que hoy alberga la fundación que León creara antes de morir para preservar la obra de su padre, junto a la suya. Dice León que ya casi con noventa y cinco años su padre lo apoyo ante el repudio de sus obras; Augusto, el hombre del renacimiento tenía aún entonces la mirada lúcida puesta en el amor y la pasión por el conocimiento; podía incluso con casi un centenar de años discernir esta profunda convicción de las criticas de aquellos que preferían quedarse en la superficie de las formas.

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Este diálogo es un acto de amor entre dos grandes hombres, padre e hijo, que atravesaron más de dos siglos  de arte con sus obras. El humor nunca estuvo ausente, aún en los momentos más oscuros la calavera que ambos toman como punto de partida para pensar la muerte nos sonríe; la misma sonrisa que ellos advirtieron de este cráneo que vaya  saber desde donde les sonríe. En las fotografía de Augusto de sus hijos y su mujer, en los músicos de León, vemos  mas allá de sus tomas de posición para evidenciar su  continúa experimentación con nuevos materiales que lo vuelven a la reflexión sobre los limites del arte, cauce central por donde se desarrollan sus múltiples preocupaciones.

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Superar el prejuicio ante la obra de León nos permite descubrir al hijo, al hombre, al padre, al ser humano que fue realmente su verdadero punto interés a lo largo de su intensa vida. Me atrevo a pensar que su legitimación fue casi una excusa para poder algún día volver nuestra mirada sobre el gran legado de su padre, que por convicciones renacentistas en un siglo de radicales vanguardias paso desapercibido y  casi negado por la historia el arte.

Marcela López Sastre / co-curadora de la muestra

 

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Entre el espíritu y la materia

artistas invitados

Roly Arias  -Leticia Obeid -Soledad Dahbar -Florencia García -Matías Guerra- Matías Romero -Alejandro Gallo -Paula Casal del Rey -Guido Yannitto  -Soledad Sánchez Goldar -Eva Ana Filquestein –Mario Córdoba

   curaduría: Marcela López Sastre

Esta selección de obras, en su mayoría de artistas salteños y cordobeses, aborda una problemática del arte actual que quizás para los que estamos  cerca nos parezca evidente pero que para quienes apenas lo rozan   es un gran problema: ¿cómo puede una obra no tener cuerpo? ¿Qué sentido tiene el arte si dura apenas un segundo, un roce, una experiencia?

Estamos aún muy apegados a la modernidad en muchos sentidos y este es uno de ellos: la obra como materia, como elemento noble  que trasciende al hombre en su tiempo vital es algo que los artistas actuales no pueden seguir representando; ya que ellos transitan y producen en contextos móviles, efímeros y sus obras  de alguna manera  ponen  en tela de juicio la trascendencia de una especie que se devora a sí misma, destruyendo sus propias capacidades de permanencia.

Los artistas actuales son parte de un entramado globalizado que  circula por las redes produciendo y  consumiendo información. Están inmersos en un  flujo de imágenes, sonidos y pensamientos.  La posibilidad de circular por la red y llegar a lugares inexplorados se enfrenta a  la necesidad de de trabajar  el aquí y el ahora como materia.  La obra pierde cuerpo pero deja huella: el registro que documenta la acción.

Solemos encontrarnos con estos documentos como obra, su verdadera esencia ha dejado de existir en el acto de su ejecución.  Esta apreciación de la obra diferida por otro lenguaje intermedio  y nuestra percepción es algo, que al menos desde el interior de argentina  practicamos desde siempre,  ya que nuestra educación relacionada al arte ha sido a través de lo que nos ha llegado desde el centro que a su vez difería lo de los otros centros de legiotimación. Nuestro conocimiento del arte “marcado como relevante”  siempre ha sido a través de reproducciones, libros e impresiones que mucho difieren de la obra real.   Esta muestra nos enfrenta a esa dicotomía que en el arte actual se hace aún más evidente, la obra solo existe  en el tiempo y el espacio real de su ejecución, solo los artistas  habitan ese instante preciso.

Nosotros, como público, debemos atravesar la puesta para llegar allí, al límite efímero de lo concreto.

 

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¿quién es el fuego?

Dibujo sobre la pared

Roly Arias

Los dibujos de Arias son siempre literatura y lenguaje. Hay una narrativa en la obra de Arias que permanece a través de los diversos contextos donde sitúa a sus sujetos. Relatos que lo atraviesan y se va narrando a sí mismos. Dibujando, pintando, develando la historia que se escapa naturalmente y como puede se abre paso sobre el papel, el muro o la tela.

Si hay algo permanente es el cambio y Arias lo sabe, nos lo cuenta.

 

Hay cierta urbanidad en sus personajes, faunos y doncellas. Cierto relato del detalle que se pierde en el recorrido citadino y a partir de aquello que ignoramos se desarrolla la complejidad de la trama.

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Dobles

Video

Leticia El Halli Obeid

Dobles compila una serie de entrevistas a actores de doblaje mexicanos, voces emblemáticas de la televisión y el cine que nos traducen las producciones norteamericanas  al español  Latino desde los  60 hasta ahora. Los entrevistados  nos develan su oficio a la vez que nos permiten pensar la lengua: su función, su  traducción, la supuesta neutralidad posible, la relación entre imagen y sonido como construcción de una pareja que definitivamente no puede prescindir de su otra mitad. No pensamos mucho en el sonido de lo que vemos, aun siendo este la mitad de lo que nos pasa como espectadores. Evidenciando en estas operaciones como podemos reconstruir un personaje, reinterpretándolo desde la lengua.

Dobles fue filmado en Ciudad de México en el año 2011.

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“Vida quieta”

registro de una instalación

Soledad Dahbar

https://www.youtube.com/watch?v=UDH8fF6_hT0

Las citas y relectura de la historia del arte es una práctica por  la que los artistas actuales transitan casi por necesidad; intentando seguir los rastros d del mundo donde habitan, el mundo del arte y su múltiples posibilidades de ser contada como historia.

Algunas citas proyectan artistas necesarios para la lectura de sus propias obras ya sea como referentes o como puntos de partida. En este caso Dahbar lo hace a partir de un bodegón: una de las puestas más simples para abordar la pintura y recorrer su historia.

Esta obra que simula una naturaleza muerta, un “still life”, una pintura  nos demuestra la  secuencia temporal permanente, casi imperceptible, que solo podemos reconocer si nos detenemos ante ella y si logramos detenerla es sólo porque ha llegado su fin. Al menos el fin de una determinada conciencia temporal.

La fotografía, el cine e incluso  la pintura son  herramientas estructural mente temporales que han sido construidas desde el más profundo deseo del hombre por mirarse reflejado por un segundo en el cauce del tiempo.

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Recordis para Eduardo

Registro de una acción

Soledad Sánchez Goldar

 

Esta bicicleta era de Eduardo, el tío de Soledad; está intacta en el mismo lugar desde el año 1976 aproximadamente. Quieta en el patio de su abuela, sobre el muro; testigo y víctima a la vez de la ausencia de su dueño que fue uno de los 30.000 desaparecidos de la última dictadura militar en Argentina.  Al desaparecer los que se quedan esperando saber o encontrar algo de aquel cuerpo del que nunca  pudieron hacer un duelo, velarlo, procesando la partida del espíritu,  despidiéndose de aquella persona amada que deja este plano para pasar a otro que desconocemos pero sabemos cómo el único final.

 

A partir de esto, Sánchez Goldar  decidió invitar a su familia al Parque de la Memoria en Capital Federal donde están las placas con los nombres grabados de las víctimas de terrorismo de estado que ya han sido identificadas. Allí esta su nombre: Eduardo Goldar Parodi, frente a él Soledad fija su bicicleta y coloca un dinamo tracción a sangre que está conectado a un equipo de sonido que con  su acción se enciende y reproduce la música que él escuchaba antes de desaparecer, vuelve el sonido de su voz a través de algunas grabaciones de sus cartas, pequeños gestos y  notas que construyeron un ritual, devolviendo dignidad al recuerdo y la memoria de los cuerpos amados que no vimos morir.

 

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Registro fotográfico de una acción

Florencia García

 

Entre la pintura y la fotografía García pone el cuerpo, su formación ha sido netamente física, su material de expresión es el cuerpo. Avanzar no siempre es ir para adelante, hay una confusión en esta direccionalidad del exitismo. Muchas veces avanzar es ir y venir, retroceder sobre nuestros pasos, como el pensamiento. La reflexión trabajo es circular y necesita repetir sus modismos para llegar al engranaje y develar la estructura del funcionamiento. También podemos negarlo todo para siempre hasta que casi por descuido nos hundamos fumando en la piscina, tambaleamos siempre en la ceguera. Esta secuencia me recuerda a la “Ciénaga” de Lucrecia Martel, hay allí un personaje representado por Graciela Borges, de clase alta venida a menos que niega absolutamente todo lo que pasa a su alrededor y se embebe en alcohol mientras toma sol como si aquello atrasara  de algún modo la verdad inevitable.

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Video

 Matías Romero

 

Artista sutil. Meditar. Ponerse al nivel del otro, aunque el otro esté más abajo. Otra vez la direccionalidad del prejuicio exitista, quien está  arriba, quien abajo.

 

Esta direccionalidad aquí supera los límites visibles para avanzar sobre lo etéreo, lo sublime y lo profano. Matías pide que lo registre meditando en la peatonal de Córdoba a un hombre que allí pide dinero cada día, a quien le faltan ambas piernas. Se coloca frente a él  que maneja la cámara y medita.

 

Esta acción es troncal en su obra, toda ella busca la espiritualidad incluso desafiando los prejuicios y las sombras del ego, del hambre y el deseo.

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Perro que se cree conejo

fotografía de una acción

Alejandro Gallo

https://www.youtube.com/watch?v=j1FFONBFK2U

 

Ale Gallo o El alambique estático aquí se muestra sólo parcialmente ya que su búsqueda involucra la investigación audiovisual y la experimentación sonora, hubiese deseado un registro de sus sesiones auditivas, pero no las edita. Otra vez el tiempo que acecha y nos deja fuera.

Perro que se cree conejo es un still que remite a la instalación que el realiza con una línea de televisores que se accionan a partir del acercamiento del espectador a la pantalla, la imagen y el sonido se activaban por el roce: en todas ellas se registraba el movimiento de la “ciérrate comadre” o mimosa, planta que se cierra con el suave roce de nuestro tacto. Estas plantas son plaga en ciertas zonas de Salta donde las horas veraniegas transcurrían  maravilladas por el suave abrir y cerrar de sus hojas apenas por contacto.

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Arte Feo

Objeto textil

Paula Casal del Rey

 

Estos monstruos ovalados  con plumas de aguayo, cordeles de plástico, alambres de cobre y pellones de oveja, bombitas de hule, hilos de alpaca son parte de lo que casal del rey define como feo. La belleza de sus obras es una suma de capaz de sigilosa labor de costurera, artesana y tejedora que va creando formas minerales, plumajes andinos y pulpos con retazos de gomas.

Esta es parte de la obra de esta joven artista que también gestiona una galería, mezcla formas exquisitas con cactus o carnosas  que habitan las puntas, las texturas, las formas largas y alargadas, bajas y gordas, trazos arcaicos que en cada obra se va desarrollando a través de los diversos materiales que recicla. Restos de neumáticos usados, caños de pvc, gomas de motores, son algunos de los restos arqueológicos que trabaja para las futuras generaciones. También trabaja el pasado desde los materiales andinos: las lanas, los aguayos antiguos, los tejidos tradicionales, el cobre, la alpaca, la llama. Los materiales van tramándose en el tiempo y en las capas de tiempo que se acumulan recordando que seremos restos, haciéndonos pensar que queremos legar de nuestro tránsito por este pequeño espacio de tiempo. 

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Avistaje

Video

Guido Yannitto

https://www.youtube.com/watch?v=zUEiobZ4v_Y

Esta video performance que Yannitto lleva a cabo en la Antártida, durante una residencia, es un dibujo sobre el paisaje realizado con sus huella, demarcando ciertos puntos con piedras son sus pisadas las que van construyendo la geometría sobre el suelo húmedo de tierra oscura. La tierra es un material que Yannitto maneja a través de la cerámica fina e industrial, lo aborda como elemento llevándolo al extremo de sus posibilidades. La obra de Yannitto busca ese estado de los materiales donde estamos al límite de lo posible y lo extraño.

Tejido, tapices, cerámica, madera, plástico, agua son algunos de los materiales que investiga en el espacio, la sinergia de ambos va construyendo un lenguaje de síntesis que se acerca al elemento, a la posición en el espacio que dialoga con la materia.

El manejo de la instalación como un recurso honesto de este artista es evidente en este video donde trabaja con el paisaje como materia prima para un dibujo trazado con sus huellas, efímeras e imborrables a la vez.

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Cover

Video performance

Eva Ana Finquelstein  

https://www.youtube.com/watch?v=dESXU9JJ4z4

 

Finuquelstein trabaja con juntos a dos performers: Lucrecia Requena  y Jesica Marcantoni, citando una serie de obras  que trazan los momentos  fundacionales del arte conceptual: Ana Mendieta, Gabriel Orozco, René Magritte, entre otros son los mojones donde podemos claramente  definir donde el arte deja de ser materia y empieza a tener forma por su concepto.

Este ejercicio que ellas mismas denominan cover aludiendo irónicamente a los músicos que no tocan sus propias canciones, sino que interpretan letra y música de artistas que si han logrado componer y difundir sus propias creaciones. Ironizando sobre la autoría, la genialidad y la legitimación de la historia del arte.  Homenajeando a la vez a los artistas que abrieron el camino al pensamiento como obra, al pensamiento  como materia.

La cita al límite entre el amor y la burla. Cover es una obra experimental donde la historia del arte se procesa con mecanismos dudosos de lo que podemos reconocer como video clip, formato que muy lejos estar del video arte. La lógica del video clip es la retención del espectador a partir de un bombardeo de recursos audiovisuales, ediciones de múltiples pantallas en una misma imagen. Borders o limítrofes entre la idolatría y el repudio en un momento donde nada sobrevive a la vitalización de las redes  y lo que esto genera en las estructuras conceptuales.

 

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Registro de una performance

Mario Córdoba

 

Córdoba es un artista que parte de la cerámica con canutillos en su serie “beautifull chongo” para luego realizar acciones sobre el arcilla dejando los rastros de su cuerpo en tamaño real, desnudo sobre el barro imprime su forma; a partir de allí experimenta con el sonido que simboliza la acción sístole diástole de nuestro corazón. Experimenta el espacio del sonido y del noise, trabaja prolíficamente entre el video, la acción y la construcción de espacios rituales.

A pesar de los diversos elementos que incorpora hay un hilo de plata que siempre lo conecta con Cafayate tierra de arcilla colorada y viñedos de uvas blancas. Hay una resonancia de este paisaje afectivo y real en sus obras, una conexión con la naturaleza en sus formas más simples de construcción y de  percepción. La respiración y el ritmo cardiaco son la partitura de sus pensamientos.

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Lindes para el viento- Soledad Sánchez Goldar- Lucas Di Pascuale

Hace casi dos años invitamos a Lucas y Soledad a trabajar una muestra para ROJO.  La idea de  una obra “de a dos” partía  de ciertas afinidades que ambos han  ido haciendo  evidentes, respondiendo a cierta  autoría que reconoce referencias, vínculos y diálogos como parte elemental de la obra. Pensándola no desde su materialidad sino desde su capacidad de acción y reflexión, abordando  lenguajes que tienen que ver con el tiempo como variable que atraviesa transversalmente nuestra lectura de lo real.

 

El proceso fue lento pero no asustaba el tiempo de dilación, los puntos suspensivos, ni los silencios; esta lentitud fue haciendo algo exquisito. Una edición de pensamientos  puestos  en escena.

 

Horizontal, hacer de a dos, son verbos que Lucas y Soledad vienen ejerciendo como  política personal  frente a la verticalidad del atropello, del pasar por alto, del olvido.

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La horizontalidad se abre al otro. Es  aquí y ahora. Hay que leer, detenerse. Participar.

 

 ¿Será  posible?

 

La historia y la política como experiencia, como espacio  personal; sin  juicios, adhesiones  o estadísticas. Compartir. Compartimos contexto histórico y  experimentamos cierta percepción del tiempo. Ejercicio legítimo del diá-logo, de a dos. Tautológicamente. Certeza de que el arte se atraviesa desde el pensamiento, la política y la subjetividad de la poesía.

 

Si hay poética contemporánea es a través del  lenguaje donde ya no se distinguen el bordado del lápiz,  la línea del cuerpo,  la literatura de la imagen. Abordar el mundo desde allí  nos acerca a la configuración de nuestro pensamiento contemporáneo. La acción del gesto y la palabra  hacen memoria.

 

Rescato profundamente esta puesta a disposición del otro. El simple gesto horizontal del relato  es toda una posición política frente al mundo y su verticalidad. Un gesto inútil y absurdo quizás frente a la masividad del ruido, una palabra resistiendo el tiempo y la intemperie como quien recuerda de repente  que tener voz propia es maravilloso.

 

Susurrando se hablan y se entienden. No hacía falta gritar tanto para pesar una palabra como “exilio”, no hacía falta ejercer el poder sobre el otro para tomar el verdadero peso del olvido.

 

Esta instalación  comenzó con  un cuaderno  que fue pasando de uno al otro; trazando coincidencias, huellas y sutilezas antes de volverse corpórea. Una acción llevo a la otra  y cada gesto a  la belleza doméstica donde reside el sentido del tiempo.

 

Marcela López Sastre

 

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Talleres de creatividad: arder o brillar

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Tomando distancia de la modernidad hemos podido develar ciertos mitos del arte y sus prácticas, que entonces se comprendían como una iluminación fugaz y arrasadora; la inspiración  parecía mas un saque de emociones  que una actitud contemplativa- reflexiva. El acto de creación estaba mas cerca de una aparición divina que de un hábito construido por las rutinas; la inspiración  trasmutaba en la tierra para recordarnos lo sagrado del arte y nos atravesaba como un rayo que podía, obviamente fulminarnos. El fuego es efímero y fugaz, debe aceptar su dependencia de la madera para arder y perdurar. El proceso creativo es una manera relacionarnos con el mundo, no sólo para hacer una obra de arte sino también y sobre todo para desarrollar nuestras capacidades intuitivas.

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En la modernidad e incluso en las vanguardias el  artista era un ser aislado en su cúpula de cristal, distante del mundo y sus contradicciones, mas conectado al cielo que a la tierra. A veces, la conexión era espiritual, otras  se lograba con la ayuda de ciertas  sustancias; así  se empezaba a confundir el efecto de la sustancia con la creatividad,  el estado de ebriedad con el de creatividad e incluso llegando a creer que solo así podíamos lograrlo. Por ser creativos terminábamos  adictos a  puentes transitorios  hacia aquel lugar…posible solo por la modernidad.

En el presente comprendemos la creatividad como un hábito, una construcción. La inspiración no existe sin transpiración y el arte se infiltra en lo cotidiano, lo doméstico y lo real.

Hay diversos modos de ir desarrollando  un estado creativo desde donde el arte sea un proceso reflexivo del entorno y de nuestra presencia en él. Con los pies en la tierra y el cielo en las manos el taller de creatividad es para cualquiera que desee estar mas conectado con su propia manera de abordar el mundo, deseando  construir un relato personal de nuestro tiempo.

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Geometría, abstracción y movimiento- Rojo- dic. 2014

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obras de Mariano Barrera

Toda representación es una construcción de nuestros pensamientos, somos un filtro por donde la objetividad debe atravesar inevitablemente para generar un relato sobre el mundo y nuestra manera de mirar. La objetividad es un consenso, una puesta de acuerdo respecto de cierta representación de las cosas.  El arte es una manera de aproximarnos a la realidad y su práctica una configuración que determina la relación del artista con el mundo y del espectador con la obra.
El arte geométrico, abstracto y cinético han sido parte de una serie de movimientos relacionados con las vanguardias europeas de posguerra; el contexto internacional tras la segunda guerra mundial cuestiona la subjetividad y al simbolismo proponiendo una práctica  ligada a la investigación y al desarrollo industrial que descubría un mundo de velocidades inexploradas.
 El desarrollo industrial impuso nuevas herramientas  y nuevos materiales, inexistentes hasta entonces. Los artistas se manifestaron explícitamente respecto a su posición frente al progreso y su rechazo inminente de la idea “creativa”. El arte es inventivo y exploratorio, sus prácticas derivan de la aceptación de que su realidad está en los puntos, las líneas, los planos, los colores y la construcción de obras con mecanismos ópticos, que investigan las percepciones del espectador desde un lugar totalmente nuevo.
 En 1944 se iniciaba en Argentina la manifestación de un arte abstracto de corte geométrico, liderado por un grupo de artistas que destacaban la necesidad de una propuesta estética, ética e ideológica que acercara la práctica artística al pensamiento científico, lógico y analítico exento de cualidades intuitivas o irracionales. Rompiendo con lo figurativo y exaltando el racionalismo, guiados por un ideal de Modernidad donde  el arte era parte de la vida cotidiana: sin ficciones ni estrategias de representación.  Este arte se oponía al expresionismo, a la representación y al simbolismo. La palabra “invención” se vuelve clave, pues marca la distancia de la idea romántica de creación y sus connotaciones de subjetividad, el  espíritu racionalista del hombre moderno necesitaba  un artista que no impusiera su impronta personal, ni buscara representar la realidad desde sus propias categorías simbólicas. La realidad es lo concreto y en el arte  la realidad es el plano,  las formas, los ritmos.
Estas ideas se manifestaron en la revista Arturo, principal órgano de expresión teórica del movimiento, cuyos integrantes fueron Tomás Maldonado, Arden Quin, Rhod Rothfuss, Gyula Kosice, Edgar Bayley, entre otros. Arturo en su primer y único número reunió a una diversidad de artistas plásticos, intelectuales y poetas que coincidían en la misma línea de pensamiento.
La violenta ruptura con todo lo anterior, característica esencial de las vanguardias prolongaba una larga tradición argentina que  hacía eco del arte europeo a través de la formación de los artistas y de la lectura de la historia del arte occidental; que lejísimos estaba de las problemáticas latinoamericanas.
Este mismo espíritu beligerante de la vanguardia  llevó a los artistas a ir tomando posiciones individuales cada vez más radicales, algunos deseaban inventar una estética más rigurosa y purista, otros optaban por un arte más abstracto.  Arte Concreto Invención se redujo a las manifestaciones plásticas visuales, mientras que el grupo Madí –una de las escisiones nacidas del grupo original-  extendió su campo de acción a la música, la danza, la literatura, la arquitectura, la pintura y la escultura, exaltando las trasformaciones y los movimientos.
La eliminación del formato marco era parte de esta deconstrucción de un relato  que separando el entorno con este rectángulo claramente definía la historia posible  fuera de la realidad. Esta visión otorga una nueva perspectiva al espectador que  accede a un grado de conocimiento de rigor compositivo, basado en el concepto constructivo de la imagen,  la  recomposición fragmentada y dinámica, los estímulos perceptivos que la ciencia ayudó a crear desde formas hasta entonces inexploradas.
Es por lo menos llamativo como el arte actual hace eco aún hoy de las vanguardias, lo evidenciamos en la práctica de jóvenes artistas que investigan la geometría, el movimiento y su instalación en el espacio como forma concreta.
La obra de Agustina Rodríguez Suhurt explora los límites del espacio extendiendo las formas y los colores sobre las superficies externas a la obra en sí misma, como objeto concreto que  propone superar sus propias limitaciones espaciales. La obra de Guillermo Córdoba va más allá de la ruptura del marco y nos da vuelta el bastidor, lo pinta como objeto en sí mismo, con planos de colores en sus bordes, para luego desarmarlo y montar el reverso  develando el esqueleto de la pintura, su  invención del lenguaje pictórico, su estructura material. Ángel Pacheco con su  pieza nº2  (aproximación a una pintura instalada) sale del bastidor tradicional, donde la pintura abstracta por sí misma podría completar la obra pero no…fuera del plano se instala el color; un objeto que descentra el interés de la composición ocupando el espacio como límite concreto que finalmente deriva en la abstracción del concepto como materia.
La instalación como concepto deviene de alguna forma de esta necesidad de salirse del marco y ocupar el espacio como materia, Lorena Arce instala en La Lucera (espacio de vidrio que conecta los 2 pisos de la Galería) una serie de cortes en papel, con formas filosas y en caída desde el cielo que comunican el espacio; integrándolo desde su intervención que durante la noche, sólo para los espíritus noctámbulos, se transforma mediante efectos de lumínicos que transforman el espacio transparente, pulmón de luz y oscuridad.
La abstracción de Agustina Pesci,  bordando servilletas con cabello humano, nos enfrenta al gesto de la costura, a la mano atravesando el pelo por el blanco del papel, a la aguja y al hilo. Mecanismo iniciático de la identidad, ofrenda de nuestro bien más estable en el tiempo, el que morirá mucho después que nosotros: nuestro pelo.  Julieta Marasas sigue la línea de la mancha para generar las formas; las líneas se dibujan  por el movimiento de la pintura sobre el plano y desde allí todo cobra estructura. La geometría surge de la abstracción. Julio Gambero propone un gesto lineal, pintura, pespunte, síntesis de la forma que se construye en la mirada.
Federico González desde una estética que claramente nos remite a la grafica industrial de la  posguerra, del desarrollo de la imprenta en su máxima potencia, del consumo de diarios y revistas, discos, libros: la industria cultural tiene sus códigos. Este artista cruza los límites proponiendo obras que surgen del diseño y viceversa. Santiago Chipont repite fragmentos del registro fotográfico de espacios arquitectónicos construyendo estructuras imposibles, laberintos cerrados en sí mismos,  formas cerradas sobre su propia línea.
Karina Seco juega con nuestra percepción a través de la superposición de materiales traslucidos, formas geométricas y dinámicas logradas por el uso e investigación de paletas estridentes de colores planos y puros que interactúan vibrando en nuestras pupilas.  Los calados geométricos también se instalan desde su obra incorporando el vacío como materia.
 Eric Von Eberan lo dice claramente: “Desde la paleta y los planos que se repiten a lo largo de las obras hasta las “elaboraciones de tipo literario” en donde de alguna manera podrían convivir preguntas relacionadas (…) a la “memoria acumulada”. (Mis obras son) Ejercicios de visión sobre la imagen; su  ruptura y reconstrucción bajo una nueva mirada de los espacios vacíos, puntos negros o signos de pregunta  inmersos en la pintura misma…”
 Rojo se propuso pensar desde el espacio estas prácticas que permanecen vigentes en la actualidad de los artistas locales, muchos de ellos emergentes. Han pasado 74 años desde los inicios del arte concreto, buen momento para mirar de frente y volver a definirlo desde la producción joven cordobesa. Excelente  instancia para pensar que es el arte contemporáneo y cuáles son las superestructuras  que lo conforman históricamente.
Mariano Barrerra
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El corte preciso, la repetición del mismo una determinada cantidad de veces para ambos lados y luego la estructura y el cuadrado que se repite y se corta. Y todo esto otra vez,  una exacta cantidad de veces.
Materiales austeros si los hay: una trincheta y un buen cartón; a veces blanco, a veces gris: con esto Barrera hace su obra, es el gesto del corte sobre el papel, el pulso firme, el previo diseño de la estructura que se va construyendo de la tarea del bisturí que va haciendo visibles las construcciones, las vueltas, los giros.
Estructuras que en escala nos doblegarían por su perfección imposible.
Aquí no hay nada librado al azar, el arte es oficio y disciplina y repetición de sus propios códigos internos: la línea sobre el plano, la geometría y su dimensión en el espacio; las leyes de gravedad y la posición del tiempo. El equilibrio de las fuerzas, la disciplina y el silencio.
No hay color, solo cortes sobre el material.
Hay en Mariano una clara coherencia entre su obra y su trabajo dentro del mundo del arte, creo que hay ciertos caracteres que pueden realizar algunas tareas vedadas al resto. Este carácter esta regido por la disciplina, la pulcritud, lo exploratorio y lo concreto; su obra refleja este interés en el arte per se que se somete al más cínico juicio: el de la destreza de la técnica.
Develarse con tan pocos elementos es sincerarse de una vez por todas, no hay interpretaciones, representaciones, ni simbolismos. El campo se demarca claramente, estamos dentro del lenguaje del arte y esto implica que la realidad se limita a sus problemas: materiales, práctica, hábito. Hay cierto espíritu meditativo en este método.
 

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El pretexto del color- MARCOS TORINO

 

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El espíritu del arte es exploratorio

La muestra de Marcos Torino instalada desde el 10 de Octubre en el mac Salta nos permitirá, si nos detenemos a escuchar sus latidos, investigar sobre las poéticas que implican los procesos creativos a la vez que nos desnuda el placer del artista recorriendo sus posibles vertientes. Hay una ineludible admiración por la naturaleza y sus formas, desde lenguajes actuales (como  la instalación y el video) nos retrotrae a momentos de la historia del arte donde la organicidad de las plantas fue “la fuente” de inspiración de las artes, como  por ejemplo sucedió en el periodo de la secesión vienesa donde se recuperó  el modelo de  belleza de las formas de la naturaleza como insuperable por cualquier otra belleza creada por el hombre.

No solo desde allí hay un guiño a la historia del arte, el  nombre de la muestra y el video donde Torino va en busca de sus colores  nos recuerda a los artistas que tras la elaboración de sus pigmentos exploraban el paisaje buscando en él la materia prima desde donde generar su paleta de color; moliendo piedras, cortezas, semillas, sustancias minerales…  la pintura era una mezcla de estos descubrimientos que luego se aglutinaban  con alguna sustancia oleosa o una  albúmina que le permitiera tomar la consistencia necesaria para que el color se fijara a una tela, a un muro, a un papel. Esta concepción de la pintura es totalmente opuesta a la que podemos tener hoy; ya que con la industrialización de los materiales las paletas se han estandarizado y estos procesos donde la pintura y la alquimia se tocaban parecen una fábula.

El nombre de las obras nos completa la idea: sistema y color suena a un tratado científico sobre esta búsqueda. Torino desde la poesía del lenguaje visual  ironiza sobre la teoría, la historia y el recorrido que finalmente por más vueltas que le demos siempre empieza y termina en el disfrute de  la travesía per se, en el enamoramiento del irse adentrando en la naturaleza para re-descubrirla cada vez. Hay una vuelta a las formas  simples, geométricas y orgánicas. Kandinsky resuena desde la mirada donde lo científico y lo alquímico son casi inseparables, aún cuando por resolución plástica este laboratorio espiritual  nos devuelva visualmente solo signos, círculos, líneas sobre el plano. Es allí en la síntesis donde yace la verdad del color y la forma, su origen.  El espíritu del arte es exploratorio.

Incluso en el diálogo con un baqueano que cuenta su travesía tras una burra perdida el artista remarca esta simpleza; la misma edición se limita al registro sin realizar cortes, ni incluir efectos. El arte tiene sus raíces en las formas simples,  es este punto de inflexión el que nos devuelve la posibilidad y el pretexto para volver a mirar lo real, no lo ficticio…que es solo una abreviatura de lo que nos sucede cuando emprendemos viaje y nos diluimos en el proceso.

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https://www.youtube.com/watch?v=BAaLrSTguMY

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Paisajes Negados . Marcos Acosta

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La imagen borrosa de una siesta veraniega en la ciudad es el ingreso a la obra  reciente de Marcos Acosta que poco a poco se aleja; dejando el fuera de foco de este acercamiento que no necesita más calidad para hacer evidente la sórdida calidez  de una pileta, emplazada cual  oasis en medio del gris ardiente del cemento.

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A partir de allí sobrevolamos el paisaje que se divide entre registros urbanos y naturales, intervenidos por planos de colores que dejan al paisaje en un segundo plano de  la imagen, tapados por las  formas geométricas superpuestas. Otras generan  diseños a partir del perfil de las montañas, los edificios y los escasos vacíos que se abren entre ellos: el cielo y el suelo van proponiendo una nueva espacialidad.

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Ya en “Orígenes de la Catástrofe”, la serie anterior que Acosta itineró por diversas ciudades del país, había un claro posicionamiento frente al avance del desarrollo posindustrial sobre la naturaleza: dominación, destrucción y onerosidad, tema de agenda climática mundial que cada vez nos afecta más directamente pero parecería aún difícil de abordar desde una posición crítica reflexiva: ¿Estamos entregados a la destrucción? ¿Es algo inevitable? ¿Podrán algunos sobrevivir a la escasez de recursos vitales? ¿Tiene sentido la superproducción a costa de la supervivencia de la especie humana? ¿Es esto solamente una representación? ¿La búsqueda de belleza  lo justifica todo?¿Creemos que esto no nos implica?. Son preguntas que Acosta nos viene haciendo indirectamente desde un exquisito abordaje de la arquitectura y de la naturaleza a través de la pintura.

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El notable talento de Acosta, desarrollado estratégica y  prolíficamente desde los prematuros inicios de su carrera, nos encanta ya que logra sublimar lo que registra: el paisaje y la arquitectura son  bellos en sí mismas y pueden convivir, incluso interfiriéndose generan cierta belleza.  Generando una doble lectura permanente, volviendo esta situación crítica en  una experiencia altamente estética donde se invaden, se ubican, se articulan, se recortan por el gris de las piedras del rio o siguiendo  las estructuras de cemento,  recuadros asimétricos que escinden y acentúan los planos de color.

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Su destreza para convertir el espacio en materia prima y el paisaje en eje temático que abarca  naturaleza y urbanidad sin escalas ni diferencias, líneas que demarcan vacíos de color, silencios verdes-fucsias de cemento, torbellinos expulsados de las grietas de concreto. Cielos  con diseños lineales y abstractos que nuclean el concepto: la pintura per se supera las estructuras temáticas y la crítica reflexiva se plantea desde su lado sublime y bello, así como desde su opuesto: su verdad siniestra.

Y finalmente: ¿Qué tarea debe tener el arte ante esto? ¿Cuál es la posición que debe ocupar?  ¿Tiene porque asumir un rol crítico? ¿O sólo debe ceñirse al interés por  los planos, los tonos, la luz y la oscuridad?

La obra de Acosta abre preguntas sobre el paisaje y su representación, así como sobre la pintura como lenguaje contemporáneo que aborda problemáticas concretas desde una posición estética.

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51 cartas -Roly Arias

 

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Todo comienza en Córdoba, aunque esta ciudad haya sido solo un gravísimo pero efímero error en su vida cuando llegó a estudiar Derecho y terminó casi recluido en la ciudad dedicado a la escritura. Lo suyo iba para otro lado, aquella incertidumbre tenia un espacio de claridad, siempre ligado a las lecturas que Arias iba realizando mientras dibujaba. Autodidacta, renegó del dibujo un tiempo para volver a utilizarlo como herramienta para sus telas, papeles, muros, escenarios, recitales. La literatura y el dibujo de Roly Arias son casi exactos, ilegibles, visuales, textuales y ficticios; a partir de citas concretas ha desarrollado una fauna propia que habita claramente  la urbanidad y sus poéticas.

“Restos de un Incendio” e “Imposible pensar en otra cosa” son parte de los relatos que anteceden y dan forma visible a esta fauna, no solo con su imaginería sino también con el espacio-tiempo de estos sujetos que vamos reconociendo a través de las obras como si fuéramos descifrando una novela abierta.

51 cartas  se repliega del contexto para entrar en el dialogo mas íntimo y silencioso que nos lleva a la mirada directa sobre aquello que nos hace individuos. Nuestras particularidades, amores y desamores irrepetibles, silencios amargos y alumbradores. La luz se posa sobre nuestro mundo privado, allí la fauna dormita y nos enfrentamos a nosotros, a nuestros espejos… allí se dirigen las cartas dibujadas de Arias.

– ROJO – Mayo 2014

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El hombre es también aquello que no alcanza ni comprende

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muestra en el MEC-Museo Emilio Caraffa 

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El arte desde sus inicios ha sido una herramienta del hombre para acercarlo a aquello que no podía nombrar: lo espiritual, lo simbólico, el registro del paso del tiempo, la adaptación de la especie, la historia como un relato posible de verdad y de ficción.

El arte fue acomodándose a las necesidades del hombre a partir de la historia y el contexto: su función o su disfuncionalidad tienen que ver con esto. Si el arte debe servir para algo es una pregunta inútil, ya que la misma nos lleva hacia un lugar que nada tiene que ver con el arte.

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Servir, funcionar, embellecer son términos limitados para hablar de algo que implica la necesidad de expansión del hombre; no sobre las cosas, no como un imperialismo sobre los otros, sino de expansión espiritual, de capacidad para ir más allá de nuestras propias limitaciones.

Esta propuesta busca volver a ese término primero, donde el arte y el hombre se potencian para expandir los sentidos, para alcanzar lo invisible, para volver al punto de partida.

Tiempo y espacio son coordenadas que el hombre ha intentado comprender, abarcar, transformar. Pero somos arena en el viento, somos un punto entre dos infitinitas posibilidades que no nos permitimos dimensionar ya que no queremos quedar atrapados en el cuerpo, en el lenguaje, en lo que hemos aprendido a diferenciar y juzgar.

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Esta muestra busca volver a ese punto de inicio, a ese momento del arte donde todos somos artistas; derribando las barreras del “mundo del arte” o de lo que la historia ha ido contando como tal. Superando las definiciones, los tabúes, los prejuicios, nos enfrenta a nuestra individualidad en toda su capacidad de percepción y de participación. Está en nosotros traspasar nuesta propia barrera o quedarnos afuera.

El espacio simbólico del museo con sus propia cargas se vuelve una opción, deja entrar al arte como participación, deja entrar al tiempo como acción, deja al espacio en blanco para que sea intervenido.

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Las posibilidades son infinitas, todo puede pasar y allí está el riesgo, allí está el verdadero punto de partida: no podremos controlar lo que sucederá, no podremos saber hacia dónde iremos, ni dónde terminaremos. No podremos saber decir que el museo es un lugar cerrado, ni podremos culpar a los otros si no participamos.

 

Esta muestra es una hoja en blanco que se irá escribiendo con el tiempo de exposición y sus memorias serán la experiencia de quienes recuerden que allí pudieron contemplarse entre el tiempo y el espacio. El arte es una herramienta del hombre para nombrar lo que no tiene forma, ni cuerpo, ni nombre.

 

El hombre es también aquello que no alcanza ni comprende.

 

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“elogio de la obsolescencia” – Daniel García

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Selección de obras del artista Daniel García (1991-2011)

La producción de un artista, como lo evidencia Daniel García en esta selección de obras de los últimos veinte años, funciona como las napas terráqueas: tienen su propio tiempo y se van acomodando, movilizando.   Surgen a veces las más profundas a la superficie, los olvidos se imponen a la fuerza resurgiendo entre papeles que fueron  intentos de ilustración para algún libro o mera necesidad de escapar de “la pintura”  o del proceso de su forma de pintar: “Hay un desgaste y adelgazamiento de la pintura. La “piel” aparece como afectada por un síntoma. En algunas partes, está incluso rasgada, parcialmente desollada, ejecutadas con un estratificador proceso alternado de pintura y borraduras”.

 

Los formatos del arte también están  curiosamente estratificados: la pintura entendida como “Obra” con mayúsculas se alza sobre  otros medios como el dibujo, el grabado  o la ilustración que históricamente han sido un paso de tránsito  hacia  “ella”.  Pero la movilización  de las napas funciona para la obra y por consecuencia para la historia. Esta lectura de las “obras mayores” tiene sus versiones: García en su abordaje lúdico del mundo rescata  los desechos ocultos con los que juega construyendo “una cierta atmósfera de obsolescencia, un cierto grado de inadecuación a las circunstancias actuales. Esta inadecuación deliberada permite dar un paso al costado del vértigo de lo nuevo e introducir una anacronía” que realiza mediante la cita y reactualización de estilos e imágenes del pasado.

 

Daniel García hace alusión a la tradición, a  la historia de la pintura y a la historia de la cultura, en el sentido más amplio posible de esta palabra. No hay nostalgia en esta recuperación del pasado: “sino un intento de atisbar lo que desde atrás viene a nuestro encuentro para luego sobrepasarnos y sumergirse en ese futuro aún difuso e indiferenciado. Doble mirada, doble relación con el tiempo, constitutiva de la pintura, a la que considero un presente– en sus diferentes significaciones- del pasado destinado al futuro.”

 

La incorporación explícita de esa producción marginal significa la definición de su “identidad pictórica” construida a partir del  espíritu lúdico que fue abriendo paso y consolidando a través de momentos  trágicos, despojados o  minimalistas. El tiempo trajo también unas siglas, a modo de marca comercial, parodiando con ellas su propia autoría.  Tensión, ambigüedad y contradicción. Cuestionamiento de la autoría de esta identidad construida en el tiempo por desplazamientos, aceptación  e  inclusión de aquello que quedó latente esperando que algún movimiento lo eleve a la superficie.

 

Aún con los mínimos elementos García se reconoce, sabemos que aquello fue parte de  su juego y su traducción. De eso se trata una obra en el tiempo, de lograr un lenguaje propio que permita describir el mundo a partir de lo que hemos podido descifrar de lo que él mismo ha ido trayendo a las orillas del rescate.

 

mac Salta- mayo 2012

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La nobleza del absurdo- Pablo Curutchet

muestra-nube-museo-caraffa-pablo-curutchet-10fotografía de Agustina Pesci

 

La obra de Pablo Curutchet  nos extraña ante lo que podríamos entender como: otra vez… la  infancia. Pero no, no vamos hacia allí (por suerte).  Su  cinismo y sutil ironía que desarrolla  desde  los materiales “poco nobles” y los personajes “poco serios”  en permanente riesgo de pasar el  límite que divide lo tierno de lo bizarro, lo violento de lo amoroso, lo sucio y lo gracioso de lo morboso  y  feliz.
No sé si es posible descifrar desde que lugar nos habla, seguramente tampoco es necesario si afrontamos que todas estas categorías son imposibles o inexistentes fuera de los pre-conceptos que existen de la belleza, la  felicidad, el amor, la infancia y tantos “grandes temas” que construyen al arte y a su  historia como otro “gran tema” cimentado sobre una serie de prejuicios legitimados por el tiempo.
Y es esta  posibilidad de instalarse en lo ambiguo la que enriquece su relato; Curutchet  sin abrir preguntas nos llena de dudas y cuestionamientos respecto al arte, su nobleza, sus materiales y sus “temas”.  Sin golpes bajos, ni excesos… sin dejar evidencia del  ultraje, el sabor extraño nos queda dando vueltas y la nostalgia de ser niños (y de ser artistas, porque no…)  se empaña de sombras,  de malos entendidos  embarrados por el halo del supuesto.  Su capacidad crítica no se ejerce desde  falsos intelectualismos, ni se complejiza abriendo heroicas batallas, simplemente propone un jardín, un gigante de cartón que asoma desde la oscuridad,  un paisaje donde es posible no exigir coherencia, aboliendo la falsa moral y la nobleza.

 

texto de catálogo para la muestra realizada en el MEC_ Museo Emilio Caraffa de Córdoba. Diciembre 2011-Febrero 2012

Pablo Curutchet’s work startles us; we could understand it as: a trip back to … childhood. But no, we will (fortunately) not go there; the subtle irony and the cynicism he develops even through the “questionably noble” materials he uses and the “questionably serious” characters he portrays, always put him in the risk of crossing the thin line between cute and bizarre, violent and loving, filthy and funny and morbid and happy.

I am not sure it is possible to decipher his stance on this matter; I am sure it is not even
necessary if we face the fact that all of these categories are impossible or inexistent outside the preconceptions about beauty, happiness, love, childhood, and all the many other “big topics” that conform art, and also its history, which comes along as another “big topic” filled with preconceptions that time has made legitimate.

And it is this possibility of settling within the ambiguous what makes his work so rich; without posing any questions, Curutchet fills us with doubts about art, its nobleness, materials and “big topics”; there are no cheap shots, or excesses… there is also no evidence of its outrage, but the weird taste that remains in the mouth, and the memories of being children (and why not, of being artists) are clouded with shadows of misunderstandings, rubbed with the mud of the presupposed. He does not exercise his critical capacity from fake intellectualisms; he does not burden himself battling heroic battles: he simply proposes a garden, a giant man made of cardboard emerging from the dark, a landscape where incoherence is allowed where faux moralities and nobilities are demolished.

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La humanidad de los objetos

Artista: HUGO AVETA – CCPE- Centro Cultural Parque España, Rosario.

Curaduría: Marcela López Sastre

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La obra de Aveta nos permite el acceso al lenguaje de la fotografía, ya que este medio resume de alguna manera sus intenciones: objetos, maquetas, espacios…  embellecidos por su  manejo de la luz y los extensos márgenes que ha ido fortaleciendo entre la claridad y la oscuridad.

El interés por objetos y espacios actuales que al  pasar por su mirada se transforman en una inevitable reminiscencia de pos-guerra, de la decadencia de la era industrial y  los despojos de una historia que arrasó con la humanidad en pos de estrategias de progreso que fracasaron en su propio enaltecimiento. Sus restos  son monumentales acumulaciones de hierro y cemento que se han  ido  llenando de polvo. La fascinación y la belleza  se contradicen con la carga histórica que despiertan, cuestionando en su existencia la irracionalidad del ser humano y la conciencia de sabernos posibles participes,  a través del curso de la historia que nos arrastra  con el devenir de los procesos sociales.

La fotografía como medio que trabaja con la muerte, registro permanente de lo que ya fue y no volverá a sucederse en el continuo espacio-tiempo, funciona como materia prima en su extenso proceso creativo: instalaciones, videos, maquetas.  Los diversos formatos que ha ido aprendiendo sirvieron para ir  dilucidando su  propio encantamiento ante estaciones vacías, galpones llenos de polvo y máquinas oxidadas. Permitiéndole hablar el lenguaje del arte  desde un contexto específico: Córdoba, Argentina –  1990 al 2010.

Todo lleva desde el registro de lo sucedido como  irrecuperable a una reflexión sobre la historia de la humanidad y su paso por el suelo, las puertas, las ventanas amadas  y deshabitadas. Humanizando los objetos escarbamos en ellos el sentido, el sentimiento, la melancolía de la pasión y sus excesos.

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Ciencia Ficción-Sebastián Rosso

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“En mis trabajos las imágenes funcionan como un relato detenido, a la manera de las ilustraciones de una ciencia imposible. Como esos dibujos que describen y clasifican la naturaleza, como esos diagramas que sintetizan los sistemas técnicos y mecánicos con los que nos apropiamos de ella, pero describiendo una historia fuera de lugar, no ocurrida. Una ciencia paralela, hecha de saqueos y apropiaciones, donde el futuro y el pasado explicitan en igual medida el espacio indeterminado entre la ciencia y la ficción.” S. Rosso

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Tuve la suerte de conocer a muy buenos artistas tucumanos apenas retorne a Salta en el año 2004 durante las últimas Clínicas que realizaba la Fundación Antorchas en el interior del país; entonces salteños, tucumanos y jujeños durante un año pudimos compartir nuestras producciones con el seguimiento de Pablo Siquier y Tulio de Sagastizábal. Estos encuentros culminaron en una muestra colectiva que cerraba la programación del mac Salta en sus primeros 6 meses de vida. Allí descubrí la riqueza y la fuerza de la producción tucumana a partir del diálogo con las obras y los artistas, a la vez que afirme la necesidad de trabajar regional mente, convencida que el arte actual del NOA permite una interesante  lectura de lo “glocal” ya que los relatos todavía nos anclan en la historia local, de ciudades intermedias, caluorsas y alejadas del centro del país. Desde la dificultad que implica esta distancia no sólo geográfica sino también cultural se fue haciendo cada vez mas evidente que allí radicaba su propia fortaleza.

Desde entonces he tenido la suerte de trabajar en procesos individuales y colectivos de artistas regionales que van dejando entrever ciertos intereses comunes.

La muestra de Sebastián Rosso en Mayo del 2011 en el mac Salta permitió ver sus últimos trabajos: instalaciones y fotografías que construyen un mundo paralelo desde donde la verdad científica es puesta en cuestión por las posibilidades tecnológicas y artísticas.

 

 

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Artista: Leonardo Pellegrini

Curadora de la Itinerancia: Marcela  López Sastre

 Museo Genaro Pérez Mayo del 2011-CEC de Rosario Diciembre del 2011- Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires Junio del 2013

 

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La obra de Pellegrini insiste en una práctica meticulosa  que resiste el oficio de la pintura, sus fuentes de inspiración son justamente aquellos medios que inevitablemente nos han alejado de ella: la televisión, los medios digitales reproducidos manualmente desde un acercamiento extremo que desdibuja sus fallas a la vez que las evidencia. Reflexionando sobre la pintura como necesidad inalterable del ejercicio del artista. Aceptando la conexión de la pintura con el pensamiento, entendemos que hay cierto acto meditativo en la pincelada que va hilvanando los pigmentos capa tras capa. Las técnicas donde aún la mano recorre una y otra vez la superficie dando forma preciada a un objeto que  funciona a su vez como talismán que va reconstituyendo el sentido profundo del tiempo.

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Pellegrini tras haber alcanzado la abstracción absoluta desde  el congelamiento de la imagen televisiva en su lapsus de falla, vuelve en el tiempo y retorna a cierta  referencia;  esta vez el referente nos retrotrae a  una trama que transversalmente atraviesa en el tiempo a la pintura e indaga aun más profundo: surge la trama del telar que va uniendo los hilos a través del movimiento continuo del cuerpo  que teje. Acción del cuerpo del artista, vibración que queda allí sellada mientras piensa y reproduce la trama del error.

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Sobrevivir a la pintura es sobrevivir al hombre en su intento por retomar el control sobre la tecnología, postergando el tiempo inevitable del contexto como algo ineludible. Habitamos un mundo artificialmente creado por el hombre sin detenemos a pensar los mecanismos que  lo construyen. Esta insistencia no es más que el anhelo de alargar el minuto entre  la desaparición de la especie  y la aparición de un paisaje  donde la práctica del pincel represente  una arqueología indescifrable.

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La práctica como reflexión implica un pensamiento sobre este interludio entre un estado y otro, intersecciones históricas que en cada momento han sido transiciones ambiguas y necesarias para comprender como cada momento incidente en el siguiente superponiéndose en la lectura de la imagen que nos piensa desde un lenguaje tan noble como la pintura.

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La práctica curatorial dentro de la institución pública

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                                                   obra de Celina Jure

El rol del curador institucional: articulación de la escena local y coleccionismo

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La capital de Salta tiene aproximadamente  700.000 habitantes censados, con  un estimable porcentaje de población de los países limítrofes. Esta provincia limita con Chile, Bolivia y Paraguay,  países con los que comparte lazos históricos y prácticas culturales.  Las comunidades originarias de esta región practicaron el tejido y la cerámica;  aún  vigentes a través del  arte popular. Las artesanías han desarrollado sus particularidades contemporáneas, sobre todo en la última década, como consecuencia de las políticas estatales. Podemos decir que la producción local-actual aún está mas ligada al arte popular que ha ciertos lenguajes del arte contemporáneo, entendidos como aquellos visibles en los circuitos legitimadores, que funcionan en ciudades de mayor desarrollo urbano.

El mac– museo de arte contemporáneo de Salta funciona en un  edificio que  data de 1880-1890 fue construido por el ingeniero Fernando Solá. Originalmente la planta baja tuvo fines comerciales, la planta media fue vivienda familiar y el altillo estaba destinado a los empleados. Como mac cumplió 6 años de funcionamiento en Julio del  2010 y en su actual uso plantea las complejidades  de adaptación arquitectónica de un edificio creado para fines distintos.  Conforma en la actualidad  parte del casco histórico que rodea la plaza principal y esta ubicado en la esquina de las calles: Zuviría y España.

Tras su uso tradicional la propiedad tuvo múltiples funciones hasta que  en el año 2004 el Gobierno la recupera y refacciona: en la planta baja se transforma el espacio para instalar las oficinas de la DGR-Dirección General de Rentas (que en el 2007 se traslada y deja el edificio para uso exclusivo del mac) y las plantas superiores  se restauraron  respetando casi íntegramente la arquitectura original.

La esquina ubicada frente a la Plaza 9 de Julio adquiere un nuevo valor dentro del contexto donde  se ubican también  La Catedral, El Cabildo y el CCA- Centro Cultural América. La organización alrededor de la Plaza  manifiesta aún el funcionamiento de una comunidad, que a pesar de su crecimiento evidente en la última década, funciona con tiempos pre-urbanos. Salta esta emplazada en medio de un valle y la naturaleza es muy próxima desde cualquier punto de la ciudad, por lo cuál lo urbano toma un carácter particular y las prácticas de ocio creativo se relacionan  mas a las actividades al aire libre que a la oferta artística- cultural. Esta aclaración  no es menor cuando pensamos en la creación y el funcionamiento de un Museo de Arte Contemporáneo en este contexto.

La gestión y creación del mac Salta se lleva a cabo en paralelo con varios proyectos,  parte de  un plan estratégico, que respondían  a una política de estado focalizada en el  turismo y  se acompañaba con la actualización de su oferta cultural. Esto se hizo evidente desde el año 2000 al 2007 con ciertas variantes desde el 2007, año en el que sea realiza un cambio de gestión que  había perdurado  por tres periodos electorales durante 12 años consecutivos.

En Julio del  año 2000 se termina la refacción de la Casa de la Cultura. En el año 2004  se inauguran el mac – museo de arte contemporáneo y el MAAM-Museo de Arqueología de Alta Montaña ( allí se exhibe el ajuar y  los niños Inca sacrificados en el Volcán del Llullaillaco); ambos enfrentados a la Plaza 9 de Julio. En el año 2005 se comienza la restauración de la casa que finalmente fue inaugurada en Diciembre del 2008 como nueva sede del Museo de Bellas Artes. En el 2006 el  tradicional Cine Teatro Victoria (contiguo al mac) fue adquirido y restaurado por la Provincia para el funcionamiento del Teatro Provincial, comunicándose  internamente con el museo.

La configuración de la oferta artística-cultural cambia abruptamente  en poco tiempo y esto requiere de cada institución cierta  actualización  de sus funciones y del vínculo con la comunidad. Este cambio repercutió en los actores locales que respondieron con la creación y consolidación  de diversas propuestas independientes,  gestionadas por artistas que en su mayoría  volvieron a Salta  atraídos por la posibilidad de crear proyectos propios. La permanente actividad de  Fedro, La Guarda, La Ventolera, Mamoré y el Grupo Monte, entre otros, han posibilitado junto con las propuestas estatales  una  oferta y una formación  que en el tiempo  permitió ir haciendo visibles algunas  propuestas que poco a poco  van ubicando la escena salteña  dentro del mapa de las artes visuales del país.

La tarea de estos espacios, el incentivo a los artistas locales,  la aceptación del mac como espacio de encuentro hizo  posible que desde Salta nos empecemos a proponer como productores, cambiando nuestro rol históricamente pasivo de recepción respecto a lo que culturalmente se produce en el centro del país; ya que las problemáticas y las características son otras, mas cercanas quizás de la geografía que de la división política. En este proceso el mac ha tenido un rol central como espacio articulador de la escena local y la función del curador como eje de este proceso.

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. El Coleccionista como curador II

mac salta. Proyecto Coleccionismo:

Colección José Luis Lorenzo (diciembre – febrero 2010-2011)

. Mercado nacional . Coleccionismo de la escena local y nacional . Proceso de la colección y criterio curatorial

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A partir de una situación evidente respecto al escaso y conflictivo panorama del  mercado del arte existente  en las Ciudades del Interior de Argentina, sobre todo respecto al coleccionismo de los artistas locales, es alentador trabajar con una Colección que de alguna manera propone una realidad paralela y construye una mirada definida en referencia al arte actual de Córdoba.

La colección de José Lorenzo se ha ido consolidando en los últimos años con un claro criterio de apoyo a algunos artistas Cordobeses que están produciendo en la actualidad. Comenzando hace un par de décadas a coleccionar objetos y piezas de arte, este arquitecto inicio su Colección a partir de la compra de platería, máscaras rituales o representativas de etnias originarias, tejidos antiguos de alto valor simbólico, así como algunas adquisiciones de arte sacro. A partir de esta necesidad de coleccionar objetos significativos ya sea por su valor histórico, religioso o ritual  Lorenzo se acerca con la misma mirada a su contexto próximo, iniciando un dialogo que se ha ido profundizando a través de los años con un grupo de artistas vinculados a la ciudad donde él reside: Córdoba.

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Alguna vez leí y asevere que el hábito del coleccionismo es el mejor de los vicios, una enfermedad incurable a partir de la cuál el coleccionista construye en el tiempo su propia realidad, rodeándose de objetos y piezas de arte que representan su mirada del mundo; dejando un legado a partir del cuál genera un discurso que nos permite leer su recorrido, como índice y señalamiento de lo que realmente considera una síntesis de los aprendizajes, pensamientos y experiencias de una vida. La reflexión de estos a partir del arte complejiza su mirada creando un espacio privado a través del cual nos podemos mirar, reflejar, re-pensar. Al exhibir su colección, haciéndola accesible al público, permite reflexionar no solo respecto al habito del coleccionismo, sino particularmente respecto a su criterio de colección y a su dialogo con los artistas que colecciona como motor de su deseo. Es por ello que me permito plantear esta colección como un espacio ideal  desde donde pensar y reflexionar respecto a la escena artística de Córdoba en los últimos 10 años.

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Pensando la Colección de Josè Lorenzo no son a partir de la obras  sino como una recopilación de diálogos que el ha ido construyendo con los artistas a través de los años, este capital aún más escaso que las historias del arte de nuestro interior, es en este caso fundamental para construir una mirada respecto a su colección si nos concentramos en su avidez por coleccionar artistas actuales, cercanos, reales, en plena producción.

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Las colecciones se construyen a partir de un movimiento de permanente cambio, idas y vueltas, adquisiciones que van guiando al coleccionista y que implican a su vez una revisión del pasado y una proyección futura respecto al perfil que debe ir puliendo y haciendo cada vez más evidente para su colección.

Y esta operación de alguna manera nos permite pensar la figura del curador, que en cierto sentido trabaja de la misma manera, pudiendo definir que el Coleccionista en su selección y edición respecto a la obra de un artista deja en su Colección una lectura personal y cerrada sobre el mismo. Esta lectura de alguna manera nos propone el proyecto de una historia del arte  no escrita, de los artistas argentinos actualmente produciendo en el interior del país.

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Esta colección, como ejemplo de otras que deseo profundamente descubrir a partir de este proyecto, es un eslabón fundamental en las escena locales. El perfil de esta colección propone un modelo, creo yo,  necesario dentro de las escenas existentes en las ciudades del interior de Argentina.  El modelo nos evidencia un coleccionista generoso, interesado, serio que se ha tomado su tiempo para acercarse y conocer, dialogar y acompañar el proceso creativo de los artistas en un continuo de tiempo sostenido. Su colección de esta manera no solo adquiere valor simbólico dentro del mercado del arte, sino que se sustenta en el  vínculo real que permite mirar la colección como un conjunto vivo, latente de diálogos entre el artista y el coleccionista; contrario al modelo de colección donde las obras son inversiones económicas que apenas rozan la realidad, el contexto donde se originan.

Al pensar las escenas locales en ciudades del interior de Argentina debemos esbozar ciertos factores que posibiliten la existencias de las mismas: un grupo de artistas con deseos de producir, centros de estudios y producción que les permita instruirse y llevar a cabo sus proyectos, instituciones especializadas que los vinculen y les permitan exhibir sus obras y obviamente un espacio que permita a los artistas vender y cotizar sus obras, permitiéndoles vivir y continuar  su producción. Los espacios de venta, ya sean galerías o espacios autogestionados por artistas necesitan del coleccionismo para realmente generar un mercado serio que posibilite cierta continuidad de producción.

Desde este lugar creo necesario exhibir esta colección como perfil de un coleccionismo que se inserta de manera fundamental en las escenas artísticas locales. Este tipo de ediciones particulares nos da un puntapié desde donde pensar las producciones actuales. La Muestra de la Colección de José Lorenzo se estructuró a partir de los criterios antes expuestos, haciendo hincapié especialmente en una selección de los artistas cordobeses coleccionados que aun están en plena producción. Las obras se complementaron en la exhibición con registros documentales y obras de artistas cordobeses actuales y una serie de actividades paralelas (mesas panel, visitas participativas para público especializado y público en general, diálogo con artistas y coleccionistas locales, reflexión sobre el coleccionismo como actor dentro de la escena local, perfil de la colección en cuestión, etc.).

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En cierta manera esta propuesta permite hacer de la Colección un ejemplo de coleccionismo local con artistas actuales, reforzando la idea de que el verdadero capital de estas elecciones reside en el vinculo y los diálogos entre los artistas y el coleccionista, diálogos que construyen una historia del arte local, una mirada particular del mundo circundante, una posibilidad de editar y elegir de que manera queremos dejar escritas nuestras elecciones de vida, nuestras reflexiones respecto al contexto real que nos toco vivir y habitar.

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Incorporación de la escena salteña el Museo Castanigno + MACRO

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obra de Guido Yannitto

 

Marcelo Abud –Rolando Arias- Ana María Benedetti – Florencia Blanco – María Laura Buccianti – Rodrigo Cañás- Mario  Córdoba – Mariano Cornejo – Soledad Dahbar – Luis Escoda- Cecilia García Ruffini-  Verónica  García -Guadalupe Miles – Virginia Montaldi – Leonardo  Pellegrini – Roxana  Ramos – Pablo  Rosa – Mercedes  Ruiz de los Llanos – Ivana  Salfity – Andrés Sierra – Guido Yannitto

La selección de obras que se expuso en el mac Salta antes de ser enviada para la incorporación  a la Colección Castanigno + MACRO tuvo un amplio criterio de  selección a la hora de generar un relato representativo de la producción local.

La colección de Arte Contemporáneo Argentino del Castaningno + MACRO ha formado un  inigualable corpus de obras que se inició en el 2004 a través de una estrategia que involucro desde el origen a los artistas en la donación, aceptando un valor homogéneo y  simbólico de dinero para todas las obras adquiridas a cambio del compromiso institucional de investigarlas, documentarlas, publicarlas  y difundirlas activamente. El compromiso se cumplió con la primera incorporación, que lograba un relato histórico del pasado reciente del arte argentino. Convocando a los artistas más representativos y adquiriendo una serie de obras altamente significativas en el recorte de la producción local (Rosario) y del centro neurálgico del país: Capital Federal. De esta manera lograba a través de un criterio de colección netamente definido y de una estrategia sostenida por el  vínculo con los artistas, una historia del arte argentino imprescindible y ausente hasta entonces desde un proyecto institucional.  A partir de allí las incorporaciones se propusieron registrar las escenas de las provincias, involucrando actores locales para la definición de la misma a través del envío. Así se incorporó: Tucumán, Córdoba, Tierra del Fuego,  Mendoza, Chubut, Santa Cruz y por último Salta.

Cuando se llevo a cabo el pedido de donación y la articulación de la muestra  se hizo evidente la  profesionalización de  los artistas seleccionados, representado sobretodo la generación intermedia nacida entre los ´70 y los ´80. La convivencia y la seriedad presente en todo el proceso permitió sostener una configuración de la escena en un momento de saludable crecimiento y de conocimiento de los diferentes actores dentro de  un proyecto estratégico común que involucrara las individualidades a partir del dialogo y las experiencias colectivas. Aceptando cierto acuerdo respecto a  un relato particular que trabaja desde las condiciones locales de producción.

De esta manera se producía desde Salta una representación que se integrara a  un relato más amplio de producción del arte actual del país.

mac salta –Febrero 2009

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MUSEO JAMES TURRELL en la BODEGA COLOMÉ

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JAMES TURRELL MUSEUM at THE BODEGA COLOMÉ
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Obra en papel, Proyecciones y Espacios  lumínicos  de James Turrell
Selección  retrospectiva de 50 años de producción  del artista a cargo del Coleccionista, Donald Hess.

APERTURA  22 de Abril del 2009
PERIODO DE COSNTRUCCIÓN  2002 – 2009

EQUIPO A CARGO DE LA CONSTRUCCIÓN DEL MUSEO

COORDINACIÓN Felix Schweizer
ASISTENTES DEL ARTISTA
PROYECTO Y REALIZACIÓN  Matthew Schreiber
DISEÑO DE LUCES  Benjamin  Pearcy GESTIÓN Y
ARQUITECTURA
DIRECTOR OPERATIVO Norberto Cornejo
GERENTE OPERATIVO  Miguel Diapol

Donald Hess colecciona con un sentido profundo, a través del tiempo. Adquiere obras que le representen un desafío o que lo movilicen a nivel personal. Se interesa en obras contemporáneas y disfruta su relación con los artistas, visita sus estudios y sigue sus trabajos; dialogando con ellos. Esta es una característica exclusiva del arte actual: la posibilidad de interactuar con el artista y poder compartir sus ideas.
En los cuarenta años que lleva como coleccionista se ha centrado en un grupo de veinte artistas, aproximadamente, de quienes adquiere series completas que abarcan varios años de producción.
Esta metodología ha dado como resultado una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importante a nivel mundial. Allí están representados casi todos los formatos: pintura, escultura, instalaciones, dibujos, impresiones, fotografía y video.
Hess cree que su responsabilidad con los artistas consiste no sólo en adquirir sus obras sino también en exhibirlas. Para ello ha construido sus propios museos: el primero fue creado en 1989 en el Valle de Napa, California (Estados Unidos) allí exhibe la mayor parte de la Hess Art Collection; el segundo Museo denominado Glen Carlou-Paarl se abrió en el año 2006 en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), allí exhibe principalmente obras de artistas africanos de la Hess Art Collection. El Museo James Turrell en Bodegas Colomé (Argentina) está dedicado exclusivamente al artista, de quien posee obras que permiten una retrospectiva por 5 décadas de su producción.  Un cuarto museo está planificado para la bodega Peter Lehmann, en el Valle de Barossa (Australia).
El compromiso de Hess con su colección nos permite pensarlo como el curador de estos espacios donde las obras cobran una nueva  dimensión  espacial y conceptual. Sus museos escriben la historia del arte actual.

James Turrell comenzó a fines de los años ´60 a utilizar la luz en el espacio como materia prima de su obra. Sus instalaciones implican la arquitectura como elementos creados en función de la luz; allí el espectador experimenta su percepción, cuestionandose los límites de la interpretación.
Turrell considera que un cambio en la percepción implica reconfigurar lo aprendido para sumergirse en mundos alternativos.  Los sueños y la imaginación influyen en la manera en cómo se crea el mundo. Sus obras son paisajes donde el arriba/abajo, adentro/afuera no existen, y su topología exige un recorrido propio y experimental.
Turrell promueve la contemplación, el silencio y la meditación como vías para alcanzar lo divino. Al utilizar la luz para crear espacios, genera nuevas percepciones que permiten cuestionar las formas en que los seres humanos están acostumbrados a concebir los objetos, lo físico, la realidad. La luz se convierte en un puente entre lo material e inmaterial, un nexo entre lo que se ve y lo que vemos con los ojos cerrados.

Instalaciones en el Museo de Colomé
James Turrell, SPREAD 2003, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, De la serie ‘Ganzfeld’ –
James Turrell, UNSEEN BLUE 2002, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, – Skyspace Abertura Rectangular
James Turrell, SLANT RANGE 1989, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, Instalación de Luz  División del espacio de la serie ‘Arcus’
James Turrell, CITY OF ARHIRIT 1976, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, Instalación de Luz De la serie ‘Ganzfeld’
James Turrell, WEDGEWORK II (PALE BLUE) 1969, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Instalación de Luz De la serie ‘Wedgeworks’
James Turrell, LUNETTE 2005, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Instalación de Luz De la serie ‘Structural Cut’
James Turrell, PENUMBRA 1992, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Instalación de Luz De la serie ‘
ALTA GREEN 1968  Proyección James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009
James Turrell, STUFE (WHITE) 1967, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Proyección
James Turrell, ALTA GREEN 1968, James Turrell Museum en la Bodega Colomé, 2009, Proyección

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El coleccionista como curador I – Proceso de creación del Museo James Turrell de la Hess Art Collection en Colomé –

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James Turrell y Donald Hess en la inauguración de Colomé

La creación de este museo a 200 km de la capital de Salta generaba un punto concreto de balance entre lo que se venia estableciendo como una producción de matices locales y una producción que netamente representa el lenguaje del arte actual a nivel global. Referente de  un exclusivo circuito de turismo  internacional relacionado con el mundo del arte y el vino, Donald Hess adquiere  la finca de  Bodega  Colomé y construye allí el Museo James Turrell de la Hess Art Collection; a 200 km de Salta Capital. Los extremos de producción estaban tan cerca que pareciera increíble que no se cruzaran, se analizó desde el mac como aquel emblema del arte contemporáneo del siglo XX que eran aquellas obras de Turrell se emplazaran en los valles Calchaquíes.

Fue entonces cuando se planteo como proyecto curatorial desde el mac evaluar de que manera la existencia de este espacio tan cercano geográficamente podría fortalecer y aclarar estos puntos de reflexión que se venían instalando entre  lo global y lo local, lo central y lo periférico.

El museo de 1200 mts2 implicó en su construcción  la más alta tecnología arquitectónica y lumínica, el mismo se construye a partir del proyecto de 9 instalaciones del artista James Turrell, adquiridas a lo largo de 30 años por el coleccionista Donald Hess. Este proceso evidencia un criterio concreto de seguimiento de la obra del artista a través de los años. La colección de Donald Hess no incluye mas de 30 artistas que él ha coleccionados durante los últimos 40 años; pudiendo generar en el tiempo un recorte y una lectura de las obras. A partir de esto se planteo el titulo del proyecto “El coleccionista como curador” y se produjo la muestra exhibiendo el proceso de creación del museo desde el criterio de coleccionismo de Hess a través de los años.

Entrevistando a todos los actores involucrados en la construcción del espacio que exhibe estas 9  instalaciones lumínicas y obras en papel de Turrell, proponiendo una lectura  a través de esta fragmentación del autor que delega en diversos especialistas; estos ponen en marcha sus proyectos; sumado a  la complejidad de instalar esta obra en un espacio tan inaccesible  como Colomé descubrimos  porque la obra de Turrell era perfecta para un espacio donde solo podemos ver el tierra y cielo.

En perspectiva Turrell es un artista  de difícil acceso; su proyecto personal  que  lleva a cabo en un cráter de Arizona hace 30 años no se diferencia mucho de esta puesta en Colomé, situada en medio de los valles calchaquíes. Ambos son espacios naturales, aislados del reflejo lumínico de las ciudades  que permite pensar la obra como observatorios astrales,  a la vez que le dan cierta pureza en sus sutiles trabajos con la luz natural-artificial en el espacio. El cielo como elemento incorporado en la obra de Turrell fue también un punto crucial  de investigación de las culturas originarias de los valles calchaquíes, que a través del análisis del sol y de la luna planificaban sus cultivos y proyectaban su vida íntimamente vinculada a los procesos naturales, que se leían en el universo.

La muestra del mac abordaba estos puntos de contacto en la lectura de la obra así como evidenciaba  los extremos de producción entre el contexto del artista y las posibilidades locales. La figura del coleccionista se plantea como un rol central en el acompañamiento del artista; ya que no solo permite aquí su realización sino que también genera una lectura particular de la misma. Este recorte propone una retrospectiva del artista y es seguramente el proyecto más ambicioso llevado a cabo con esta obra  tan compleja y tan representativa  del circuito global  del arte contemporáneo.

El proceso de creación de este proyecto también define un perfil de artista que necesariamente nos sitúa lejos del autor individual  con ciertas habilidades técnicas-manuales y nos permite desenmascarar varios clichés respecto al proceso de realización de una obra. Evidenciando  la complejidad del arte actual, que  involucra varios actores se hace imprescindible comprender una trama de relaciones que se van entretejiendo de manera tal que  proponen  la obra de arte como una construcción compleja y sutil respecto a la mirada sobre el mundo.

mac Salta- Julio 2009

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El espacio respira

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Artista: HUGO AVETA        Espacio: MEC- Museo Emilio Caraffa, Córdoba.

¿Dónde se aloja el recuerdo: en la mente, en el corazón, en el espacio?

La fotografía es un continuo registro, un archivo selectivo de nuestra memoria. El criterio de organización de este archivo es fundamental para la construcción de una mirada, que conforma el relato de la obra sostenida en el tiempo.

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El archivo de Aveta inicialmente ocupaba un espacio real donde se organizaban placas, negativos y diapositivas, así como copias en papel con procesos que dieron a sus primeras series una impronta personal  que ya a fines de los noventa ponía a su obra en ese límite difuso entre lo fotográfico y lo plástico. Su archivo se construye, crece con los años de producción; ya  que este artista se ha abocado absolutamente a ella, permaneciendo vigente en la escena cordobesa desde hace al menos 20 años.

Su relación con la fotografía se fue complejizando hacia  una mirada que supera el lenguaje netamente  fotográfico. Los archivos digitales, el sonido y el video, así como la construcción de maquetas a partir del registro de espacios proponen a la fotografía como un paso intermedio entre el registro y la construcción de una obra. La fotografía como soporte de la maqueta. La fotografía como secuencia en el video que se hace necesario al abordar  la arquitectura desde su lado inasible: su construcción simbólica.

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La memoria es una construcción efímera que puede ser modificada en cada momento, en cada retorno, porque nosotros mismos hemos cambiado cada vez que volvemos a ella.

Los archivos digitales han transformado la capacidad de registro,  abriendo una zona en permanente crecimiento que  pone en riesgo el valor que damos al acto fotográfico. El uso de la fotografía como herramienta para la construcción de la obra requiere superar el acto, forzándonos a registrar lo imaginario.

El recorte expuesto en una muestra apenas dimensiona el proceso de una obra. La acumulación aquí no se amontona: genera densidad en el vacío, lo llena de tiempo. Los archivos que no vemos son parte de esta construcción, la consolidan; la producción de una obra se cimienta.

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Dos décadas de intensa producción lo han llevado a estar cada vez más atento a lo que la obra exige para ser honesta. La versatilidad de Aveta para moverse desde la fotografía al video, desde la instalación al objeto nos permite abordar la imagen como pensamiento, como instrumento de reflexión.

Marcela López Sastre

Curadora